惠特尼双年展-当代艺术大师的摇篮
在美国当代艺术发展的历史中，有两个姓氏不得不提，一个是古根海姆，一个是惠特尼。
1875年11月9日，葛楚·范德伯尔特（惠特尼女士出嫁前的名字）出生于纽约声名显赫的范德伯尔特家族：她的曾祖父是航海业和铁路业大亨科尼利厄斯·范德伯尔特，而其祖父威廉·亨利·范德伯尔特成功地拓展了家族的铁路事业。
二十世纪前三十年里，美国的艺术所经历的时代背景都是相当的保守，美国艺术家在那段时间创新不够，且总是在崇尚和模仿欧洲。而此时，惠特尼女士创办的美术馆就打破了这种美国艺术的保守之态。
惠特尼夫人也是一为优秀的雕塑家，她的作品今天依然在美国的公共场所中树立着，1918年，她在纽约创立了惠特尼工作室，并在助理朱莉安娜·福斯的帮助下收藏了近700件美国现代艺术作品。1929年，她向大都会美术馆表达了自己的捐赠意向，甚至准备了作品保养所需的费用，却因为该美术馆董事会的保守，以“美国的现代艺术没有收藏的价值”为理由，拒绝了惠特尼夫人。与此同时，纽约现代艺术馆(MOMA)在1929年成立，它的负责人同样不看好美国现代艺术，这让惠特尼夫人更加失望。最终，她决定改变这种现状，而唯一的解决方式就是开办一个自己的美术馆。
惠特尼工作室
旧惠特尼美术馆大门
新惠特尼美术馆
新惠特尼美术馆外景
新惠特尼美术馆
惠特尼双年展创始于1973年。创始人为惠特尼（Gertrude Whitney）。惠特尼双年展以推动美国式前卫艺术为宗旨。成为美国当代新潮艺术之风向球，也成为美国艺术家进军世界舞台的演习场。1975年开始惠特尼美术馆开始收藏电影、摄影作品，1981年开始收藏装置作品、1989年开始收藏行为艺术。多年来该馆惊世骇俗展出，获得如潮掌声，也被贬为兴风作浪，其争议、激进的特征正是当代艺术本质。不论如何，惠特尼已为美国培植无数艺坛红星，一旦进入门坎，艺术家之梦即已成真。
惠特尼双年展，以推动美国式前卫艺术为宗旨，成为美国当代新潮艺术的风向标，也成为美国艺术家进军世界舞台的演习场。成立于1930年的惠特尼美术馆，以推广美国当代艺术为宗旨，两年一度的惠特尼双年展（Whitney Biennial），更是以美国当代艺术之检视者与未来两年的艺术潮流预言家自居。为求表现出亚美利坚共和国的多种族社会型态，惠特尼双年展以广义的“美国艺术家”来规范参展者的名单。只要是美国籍的艺术工作者或是非美国籍借在美国境内创作的人，都可以受邀在双年展中出现。
当代艺术沙龙直播 22
当代艺术创作与综合材料第七届高研班
讲座主题：惠特尼双年展-当代艺术家的摇篮
5月22日晚上8.30放（北京时间）
入场ID：527 061 518
尼日利亚裔美国画家Toyin Ojih Odutola用令人着迷的方式描绘了黑色人物。她用蜡笔，铅笔，粉笔，木炭和圆珠笔描边，充满动能，使非洲裔，卷发和恐惧感更加浓烈。皮肤的地形像抛光的青铜一样闪闪发光，起伏不定，并像白色的光一样通过万花筒从页面上爆炸。肢体语言和有识之士的眼睛，似乎总是注视着框架之外的东西，暗示着室内性，复杂性以及一旦观众继续前进就可以继续的生活。
她独特的风格，现代而神秘，使她成为当今最受赞誉的年轻艺术家之一，在惠特尼美国艺术博物馆，佐治亚州萨凡纳的SCAD艺术博物馆和旧金山的非洲侨民博物馆举办了个展。当世界摆脱病毒19封锁后，她会去英国和丹麦美术馆展出她的作品。
在短短的10年中，Toyin Ojih Odutola成为了一代年轻艺术家中最耀眼的明星之一。她的崇高肖像是评论家，收藏家和博物馆的最爱，她的崇高肖像立刻使黑度变得普遍且难以辨认。但是对于靠漫画和动漫养育的Toyin来说，仅仅代表黑人是不够的。她知道一个引人入胜的故事，加上精美的图画，可以创造出纯粹的魔力。
查尔斯·德穆斯（Charles Demuth）他是美国20世纪初变革性的产物，也是美国第一个本土现代艺术运动“精确主义”的主要成员。挑战种族，阶级，性取向和艺术传统的界限，他消化了周围不断变化的社会风光，留下了令人难忘的作品，无法进行分类。
1907年，Demuth前往巴黎，他与当地艺术风格，表现形式和色彩的互动定义了他的后期作品。他是那个时期为数不多的对立体主义或达达主义等新的欧洲运动有完全了解的美国画家之一。
戴姆斯善用立体主义技术，在他的各种工业现场和工厂的绘画中发展了新的精确主义风格，他所属的运动精确主义强调视觉艺术中的“视觉秩序和清晰度”，并将这些方面与“技术的创新和通过动态构图的速度表现”结合在一起。德穆斯画了鲜明的美国风景，以有意地与欧洲艺术家保持距离。
精确主义是美国本土的第一场现代艺术运动，紧随其后的就是现代主义在美国的兴起。精确主义艺术首次出现于第一次世界大战期间，在1920年代和30年代早期达到高峰，题材主要是新兴的美国大厦、桥梁和工厂等建筑物，其风格也被称作“立体现实主义”。
Michele Abeles于1977年出生于纽约。她于1999年获得圣路易斯华盛顿大学的文学学士学位，并于2007年获得耶鲁大学的文学硕士学位。是美国的视觉艺术家和摄影师。2015年参加惠特尼双年展。
他主要从事摄影工作，经常研究媒介的最新变化及其影响。她的摄影作品充满了当代的交流氛围，在这种氛围中，图像不断被创建，更改，共享，解释和（误）理解。
米歇尔·阿伯雷斯（Michele Abeles）将普通物品（酒瓶，陶罐，报纸和印刷的织物）与裸男结合在一起。他使用的道具是熟悉且通用的，甚至平淡无奇，几乎没有象征性或叙述性的联想。她的模型（通过Craigslist广告投放）也像道具一样摆放，经常摆姿势，这样他们的身体就被框架截断了。诸如红色，岩石，香烟，报纸，正文，木材，莱卡，瓶子的标题对照片中的对象进行了盘点，进一步强调了照片的一般质量。
在Abeles的照片中，空间显得很平坦，而且比例和空间关系常常令人困惑。许多欺骗行为发生在相机或摄影棚中-对于某些图片，艺术家将彩色凝胶放置在镜头前的有机玻璃上，以产生模仿数字后期制作操作的几何和破碎层。
依凡·勒·洛林·奥尔布赖特（Ivan Le Lorraine Albright）是美国画家，雕塑家和版画制作人，以自画像，人物研究和静物画而闻名。由于他的技巧和黑暗的题材，他经常被归类为魔术现实主义者，有时被称为“令人毛骨悚然的大师”。
当美国参加第一次世界大战时，奥尔布赖特（Albright）在法国军队医院担任军队的医学插图画家。奥尔布赖特最终成为美国远征军医疗队的首席制图员。战争结束后，他和马尔文前往法国，并在南特的法国美术学院学习了很短的时间。
奥尔布赖特（Albright）于1919年回到芝加哥后，曾短暂地考虑过化学工程，插图和建筑方面的职业，但最终决定成为一名画家。他就读于芝加哥艺术学院学院，从1920年到1923年在那里学习。此后，他在费城的宾夕法尼亚美术学院和纽约的国家美术学院度过了一个学期。
尽管奥尔布赖特经常被归类为魔术现实主义者，并参加了1943年在纽约现代艺术博物馆举办的“现实主义和魔术现实主义”展览，但奥尔布赖特从未与任何特定运动联系在一起，并且在20世纪的历史中占有独特的位置。世纪美国艺术。在他漫长的职业生涯中，他表现出众，并获得了无数的奖项和荣誉。
胡玛·芭芭是一位巴基斯坦裔的美国当代艺术家，生于卡拉奇，现居纽约州波基普西市。胡玛·芭芭1981年赴美，在罗德岛设计学院就读，1985年获得艺术学士学位，并在1989年从哥伦比亚大学获得艺术硕士学位。2010年参加惠特尼双年展。
自1990年代初以来，胡玛·芭芭发展了独特的视觉词汇，该词汇受到各种各样的影响，包括恐怖电影，科幻小说，古代文物，宗教圣物和现代主义雕塑。迄今为止，特别着重于Bhabha与人物的互动。
Bhabha以她的雕塑而闻名，她使用各种各样的自然，工业和发现的材料来制作引人入胜的作品，以吸引各种文化的艺术和历史。她的作品超越了单一的时间和地点，而是探索了她所描述的在所有文化中发现的“永恒的忧虑”：战争，殖民主义，流离失所和对家的记忆。
她利用已发现的材料和日常生活中的碎屑，创造出令人困扰的人物形象，这些人物徘徊在抽象与象征，丰碑与熵之间。虽然她的正式词汇完全是她自己的词汇，但巴巴拥抱了跨越几个世纪，地理，艺术-历史传统和文化的后现代混合体。
她的作品包括对古希腊Kouroi，Gandharan佛陀，非洲雕塑和埃及圣物的引用。同时，它始终保持现代感，向贾科梅蒂（Giacometti），毕加索（Picasso）和劳森伯格（Rauschenberg）寻求灵感，以及科幻小说，恐怖电影和通俗小说。
爱德华·霍珀（Edward Hopper）出生于纽约州尼亚克（Nyack）的一个中产阶级家庭，当时纽约是一个充满活力的交通和工业枢纽。10岁那年，当男孩开始签名并注明日期时，他就已经开始认真对待自己的艺术抱负。
霍珀的父母鼓励他学习商业插图而不是美术。因此，他在纽约插图学校度过了一年，然后转到更为严肃的纽约艺术学院（现为帕森斯设计学院）实现自己的梦想。
他在那里的老师包括美国印象派画家威廉·梅里特·蔡斯（创办学校的人）和阿什坎学校的主要人物罗伯特·亨利，他的拥护者们提倡描绘城市生活中更为严峻的一面。霍珀在学校的同学包括乔治·贝洛斯（George Bellows）和罗克韦尔·肯特（Rockwell Kent）。
没有其他艺术家像爱德华·霍珀（Edward Hopper）一样捕捉到现代城市中的孤独。“空白空间的艺术家”让人想起大萧条时期美国人的生活。他的暗示性影像与田纳西·威廉姆斯，西奥多·德雷塞尔，罗伯特·弗罗斯特，杰罗姆·塞林格以及吉奥吉奥·德·奇里科和保罗·德尔沃的画布一样，散发出个人孤立的情绪。霍珀非常巧妙地描绘了时代精神，以人物的姿态，周围广阔的空旷空间以及他独特的调色板展现了时代精神。
嘉莉·莫耶（Carrie Moyer）出生于1960年代的底特律，是布鲁克林的艺术家和作家。最近，莫耶（Moyer）被选中参加2017年惠特尼双年展。代表Moyer的DC Moore画廊将她的作品描述为“画布上的华丽画作，在探索和扩展American Abstraction的遗产的同时，向其许多具有开创性的女性形象致敬。
嘉莉（Carrie）的作品挑战了占主导地位的历史手稿-抹去了女性和酷儿的贡献，经验和叙述。通过围绕这些现实创造和创造空间，实际上是通过将全部艺术作品投入到这些现实中，莫耶的画作“使女同性恋者“很高兴看到他们在专业，精心设计的公共艺术中的图像”（Q / DCA 96）。在“你爱你脸上的堤坝吗？”中谈到她自己的激进女同性恋活动经历时。女同性恋街代表制”，Moyer讨论了他们早期的行动主义方法，认为这是“当时男女同性恋运动的可预见的产物：通过让他们更容易被人看到，被他们所接受，努力使异端文化接受我们，'喜欢'我们。出去。” （Q / DCA 96）。但是，该策略并非植根于解放，而是依赖于同化和尊重政治。在她的艺术中显而易见的是，嘉莉·莫耶（Carrie Moyer）和其他同志艺术家活动家决定采取反同化路线。
莫耶（Moyer）在2016年在DC摩尔画廊Sirens举行的展览中，融合了“色彩领域，波普艺术和1970年代的女权主义艺术”，以期重新唤起同志/女性的历史。她的绘画以禁忌的方式使用大胆的原色和质感，拒绝采用“手工艺”的预期方法，从而突破了界限，使她能够体现出Sirens奔放的，可能是混乱的，女性化的力量-“每个人都愿意唱歌他们享受不受束缚的色彩。”
“我的画作可能没有那么明确，但是我诱使观众反思自己的状况（包括视觉，物理，历史和其他方面）的野心仍然没有减弱。绘画是一个非常贴心的传递系统。