艺术家尹朝阳说，“艺术的功能无非两个，超拔和拯救”。站在那些标志性的、尺幅巨大、坚如磐石却又流淌着盎然生机的作品之前，目之所及的每一处粗粝的涂抹和直白的砍伐间，被总结过的“超拔”和“拯救”熠熠生辉。
2010年，在一系列以“人物”系列为主题的展览之后，尹朝阳开始从“人物”转型“山水”。接下来的十年里，意料之外却又情理之中的，艺术家决然告别自己赖以成名的“人物”及“具象”，与日月为伴、山水为伍，在天地山间，将自己的身体作为探测器投入自然，以“我手写我心”的洒脱在真实的山水之间挥毫书写，颜色凝结在画布上，构筑厚实的风景，在将“人物画尽了”的感慨中，用最西方的创作语言与最东方的传统山水间四方搏杀，在对新鲜感的追逐中探索新的出路。
《太室金壁》 175×280cm 布面油画 2020
倏忽十年，连续七个以“山”为名的展览之后，艺术家将视角延伸向了无限，在历史与宇宙构成的浩瀚时空之间寻找新生，在五十岁的“知天命”之年，以一系列具体的山石风景、树木生灵，组合成浩瀚的鸿篇巨制，表述当下的生存状态，为未来埋下待长的线索。已步入“知天命”之年的尹朝阳，在“进山”十年之后，站在“出山”的临界点，这是一个和十年前类似的新起点，或者是一个不可预设的新开端，不疾不徐的时光终会对每一个人温柔以待，而艺术也终究是为了解放自己。
“浩瀚史—尹朝阳”龙美术馆个展现场（摄影：李炳魁）在反复盘桓与不停冲刺之后，艺术家在山水间建立起引以为傲的对场面和空间的巨大控制，气势磅礴的山水风景，既有对空间与心理的双重驾驭，亦是对自我创作“有效射程”的持续验证，而如果说大尺幅作品是力量乃至权力的表现，精彩的小尺幅作品和多媒介、多材质的融合则展示了艺术家尹朝阳在语言上的多面性，他自如穿梭在媒介之间，并串联着迥异的材质，达成着个人风格的统一。
《陨石-1》 250×100cm 铜版干刻 2018
一方面，多元的语言和尺幅形成着艺术家创作中“收放自如”的创作节奏，为作品铺陈层次丰富的呼吸感，另一方面，在多样的媒介间——在艺术家“科班出身”的版画制作中、在艺术家前追古人的水墨尝试中、在艺术家解构重组的雕塑创作中——艺术家也同步着浓郁的个人气息，这些属于七零后一代中国艺术家的气质、精神与使命感萦绕于作品之间，隐约可见的，是开拓边界的欲望、持续乐观的革命精神，以及粗暴的拆解与强悍的重装。
《隔江山色》200×850cm(200×250cm+200×350cm+200×250cm) 布面油画 2019《夕照蓝山》 150×250cm 布面油画 2020Hi艺术（以下简写为Hi）：这次展览以“浩瀚史”为名，这个名字有什么寓意？尹朝阳（以下简写为尹）：其实特别偶然。大概五六年前，真的就是突然在速写本上写下了这三个字。当时我就想，有一天要用这个名字做个展览，但是要等一个时机，现在看来，这个“时机”就是现在。我觉得这个名字特别对应现在这个阶段和心境——整个2020年，大家都很低迷，存在一种普遍的颓废，感觉全世界都很凄惶，每个人似乎都试图做点什么，对我来说，这个展览像给自己打了一针，刺激一下。这个展览是一次对近两三年状态的总结，是一个“汇集”的状态，不再是具体的某一个山水，所谓“浩瀚”，就是更远、更大，展览里的每一件作品，都是一个局部，它们在一起组合成了“浩瀚”，我觉得至少从心理状态上，意味着一个新的开始。
《浩瀚史》 495×195cm×7 纸本水墨 2020
巨幅纸上作品《浩瀚史》创作中
Hi：五六年之前就预设到了今天的一种心理状态吗？在当时的创作中是否有从具体的“嵩山”“少室山”到看起来更虚幻的“浩瀚”转变的端倪？尹：因为很多事情，首先都要让自己激动，要让自己觉得必须做才有“以后”，或许就是因为有了当时那个想法，才有了今天这个展览。单纯说“题目”可能就是一种偶发的灵感，是一种心理上的认识，并不是创作内容上的转变。我认为，有时候作品的创作会滞后于个人的理解，当一个人整个松弛下来，在头脑中会对万事万物产生很多新的理解和感触，但是在现实中，这种新的感悟和实际在做的事之间会有“时间差“。我的感觉就是，自己一直在走啊走，走到今天，肉体才最终追上了灵魂。所以其实当时可能就是闪现了这样一个想法，但是在实际的工作中还没有现实的转变。《龙泉》 220×385cm 布面油画 2018-2020尹：艺术家作为一个个体，对自己总是有要求或者预设的，会在意料之外又在情理之中地沿着这条路前行，所以每个阶段的展览，名字也肯定是当时那个阶段的代表。比如十多年前在今日美术馆做的“人物”系列大展——“正面”，那也是对当时状态的一种总结性的描述，那个展览之后，相当于把过去的自己“回顾”完了，我就把自己的“人物”系列停了。当时觉得已经画尽了自己对“人”的理解，所以就“进山”转向山水了，那时候我想，自己需要更多的积累，需要积蓄更多新鲜感，也需要由此对人性产生更新的认识，我想一定会在其中有所发现。其实十年一下也就过去了。从三四年前开始又画一些尺幅巨大的人物群像，感觉已经进入到了一个新的阶段，可能自己已经可以“出山”了，到今年可以画一个小句号了。而且有时候也会感觉，当下的创作实际上跟早年“青春远去”那个系列的情绪，始终有某种一致性，但是又有特别明显的现阶段的内容，跟现在的关系更密切——对象不那么具体了，而是被扔到了一种混沌当中。尹：今年对我来说，本身也是一个关键节点。我要五十岁了，中国人对每十年都会有一个很堂而皇之的说法，比如“四十不惑”，比如“五十知天命”，但是“天命”到底是什么，其实谁也不知道，那就是一种体会，需要自己琢磨。能琢磨明白就真的明白了，琢磨不明白就还是一直不明白。对于我来说，现在完全不像以前，会有那种“我一定要怎样怎样”的想法，现在就是“顺势而为”。像这个展览，其实从开始到确定，就是“一瞬间”——一瞬间就来了，一瞬间就接受了，一瞬间就开始准备了。疫情期间，我也有一些反思，也有对个人的思考，但是后来发现，很多事还是应该“该干就干”，我以前做事总想“憋”个大的，现在已经不是那个状态了，现在这种状态，我觉得是更好的，就是“顺势而为”，我以前是一个特别追求完美的人，但是现在我追求的标准变了，变成要“裸露现在”，把自己最真实的状态释放出来，比以前要心平气和的多，该是什么样就是什么样，我觉得任何预设的框框其实都挺无聊的，做艺术最终还是为了解放自己。
《江岸图》180×200cm 布面油画 2020
《黄山谷》 280×180cm 布面油画 2019
《嵩山谷》 160×130cm 布面油画 2019
尹：我觉得是舒服的。其实要做到“不纠结”，首先要过的是自己这一关。以前我对很多事都很纠结，考虑得多，要的也多。但是到了这个年龄，确实是不一样了。饭要一口一口地吃，这些年也做了很多展览，每一个展览都是在完成一个具体的工作。我觉得现在的状态很像是在做“检验”，就像汽车一样，只有开到速度极高状态的时候，才会检验出非常不一样的结果，这次展览对我也是一次“检验”——展览规模大，展出内容多，呈现的媒介也很丰富，这肯定是对自己能力的一次阶段性检验，也是一次为期三个月的疯狂工作，而这种“疯狂”就是靠这个展览来推动的。
尹：龙美术馆（西岸馆）的空间，对于架上绘画来说是巨大的挑战，如果没有合理的方式，根本HOLD不住。所以有机会试一下，我觉得特别好。其实有时候也很需要一个“命题作文”，这也是一种自我提振，人就是时常需要给自己找个事，给自己找个课题，因为这种时候通常都会有很具体的要求，艺术家就成为被调动的对象，作为一个个体，被空间所调动，其实也是需要机缘的，在龙美术馆（西岸馆）这么巨大的空间里，一定要有一张放进去可以把墙面“立”住的作品，那就需要满足很多条件，我觉得很多人一生都不能达到这个尺度，因为“尺度”不是“尺幅”，不是一件较劲的事，还是要自然而然达成的，这对艺术家其实也有另外的要求，比如毕加索可以把鱼刺摆弄成艺术品，那么作为一个职业艺术家，也要尽可能让自己生活变得有趣。
《丹崖玉树》495×195cm×2 纸本水墨 2020
尹：其实这就是一个展览的美妙之处，很多次我会在布展完成后自己在展厅里待一会儿，我感受到的是有些东西开始离开，在展厅里，目之所及的都是你创作的东西，这个展览即将开始，但是很多东西已经离开了，对我来说这是一种很奇妙的感觉，同时也掺杂着另外一种情绪，是一种“难以置信”。你看着这个现场，这是一个凭借自己区区一百多斤的血肉之躯完成的这么一件大事，艺术家会百感交集，甚至会质疑自己，“这真的是我干的吗？” 我觉得这是对艺术家的最高奖励。
“浩瀚史—尹朝阳”龙美术馆个展现场（摄影：李炳魁）
Hi：那“浩瀚史”算是有对未来的隐喻吗？是否是一种务虚的态度？尹：也不算“务虚”，我觉得人还是要学会“收”和“放”，这个展览，从作品上看，就是一个“收”和“放”的两个极端，在“非常大”和“非常小”两个幅度之间，找到了一种很自如的切换状态，我觉得大尺幅和小尺幅，组合在一起就是一种节奏，能收放自如到什么程度是要靠个人驾驭，能画大画的人有很多，但是无限大也没有意义，绘画还是要讨论“有效射程”。我不觉得要隐喻未来，我认为绘画是一个“现在进行时”的东西，“画给过去”或者“画给未来”都挺傻的。
《江景》 46×53cm 布面油画 2019
《秋景》 46×53cm 布面油画 2019
《雪景》 46×53cm 布面油画 2019
Hi：这次展览还展出了一件“同名”作品——《浩瀚史-极昼》，这件作品是一个新的开始吗？尹：这件作品的命名只是因为放在了这样一个大的名字框架里。当然这件作品也很重要，我准备了两年，找了很多模特，寻找了很多机缘。《浩瀚史-极昼》 300×1100cm 布面油画 2020尹：并没有具体的身份，其实就是“符号”，代表“人类”。Hi：这次展览也有大量初次亮相的新作，如果是一次“辞旧迎新”的展览，那这些作品总体呈现出怎样的一种新趋势？尹：算上借展回来的几件大作，这次展览是一个跨越五年的展览，在这个展览里面可以看到这五年间作品形态的变化，其实反映的也是人的认知过程的变化，作品形态和人的生长是一样的，或者说作品形态的变化反映的就是人的生长，我觉得这是艺术好玩的地方。对于新作来说，尤其是最后创作的几件作品，可以看到在技术上是已经完全放开了，创作其实就是一直处在一种“收”“放”节奏里，有时候要像拉锯一样反复，有时候也要一泻千里，这些是在展览里会被看到的生长的状态和结果。尹：是的，基本上“国油版雕”全齐了。我确实也想过这件事，之所以呈现了这么多媒介，也是因为这些作品在气质上非常接近，其实就是因为都来自于我，是不分彼此的。这些年我做了很多准备，所以能够发挥很多临场的随机应变能力，我觉得这个能力应该有，画画走到这个地方，就应该如此控制，所以不管最后是什么媒介在呈现，“说”的其实都是一回事。《异形》60×69×36cm 大理石 2007-2008《异形》 115×100×188cm 木头、铁、沥青 2019尹：对，比如版画，其实我一直都在做。一般隔一年就会去尝试。当然现在做版画，我不会按照原来那种特别严谨的程序来做了，如果一个职业艺术家，还在按照学生阶段的方式去创作，不能驾驭一种创作方式，那我觉得也是一种失败，所以我现在去做版画，就像是另外一种创作方式，我做的时候，也是想把这个媒介本身的潜力尽可能地挖掘处理，去跟想法结合，我觉得艺术就是这么一回事，只要可以传递观念就好，不管用什么方式，天衣无缝就可以。
《山》 78.5×121cm 丝网版画 80版 2018《嵩山谷》78.5×121cm 丝网版画 80版 2018尹：我特别讨厌单纯的观念，或者单纯为了做到极致而怎样，我觉得作品一定要注入感情，注入感情了才会有温度，这种观念现在看来其实很保守，但是我确实是这样想的。选择什么媒介，其实就是在某个节点碰到某个东西，从“如何实现得更有意思”出发，尝试在解构的同时实现重建。有时候过程其实是很艰难的，当然这种艰难是我需要的。比如雕塑《殇》，如果没有再使用，那只“狮子”其实就是一个“废物”，是一具“残骸”，是一片“废墟”，我觉得不能让废墟就烂在那里，而是要再造，让它重生。我自己非常喜欢那件作品，我觉得它非常犀利，可以勾连很多事件。我想艺术表述的就是我们时代的现状和我们在干的事儿，艺术家就是力所能及的带来一些新鲜感。《传说》 89×350×55cm 青石、木头 2020Hi：还有一些翻模的石头，那些可以视为是一种“现成品雕塑”吗？尹：那也不是现成的，其实制作起来费了好大劲。先要在上面用颜料画满，然后用水枪全部打掉，再画，再洗……我觉得那个过程是呼应了这些年在油画里对质地的追求。我一直觉得一个人痴迷一件东西一定是有原因的，对什么东西痴迷就一定会在什么上面找到出口，其实我觉得那一批作品也是一组有时间概念的东西，里面有很多都是我本人在过去的几年看到和经历到的东西。
《红》 262×170×45cm 玻璃钢着色 2020《蓝》 350×200×45cm 玻璃钢着色 2020
《嵩骨》 450×300×50cm 玻璃钢着色 2020Hi：绘画这个动作本身就是一种时间性的东西，是非常丰富的载体。尹：当然。其实我们这代艺术家，很多人都对传统抱有敬意，对过去的大师还是抱有迷恋的。但是这种对绘画的描述，只能对有手感的艺术家生效，没有手感的、习惯彻底平面化的那类艺术家跟这个话题是没有关系的，他们的画面里没有记录，即便有那也是冰冷的，我觉得这是一个双关语，有双重的含义。在绘画里会有时间性的描述，对阅读画面的观众也会有同样的要求，这种作品跟传统是要有链接的。《嵩岳》 71×51cm 石版画 40版 2018尹：我觉得这个没什么好说的。练习也好，观摩也罢，对书法和册页这些资源的关注，就是对自己所做事情的尊重，同时也是对自己的检验，要持续验证自己能不能有感觉去判断优劣。现代艺术以来，所有东西都消解了——权威、传统、老大师……问题是，打倒他们之后又建立了什么呢？这不能是一个姿态或者一个口号，而是要有所创造。《古树斜阳》 250×350cm×3 布面油画 2015猛 击 右 上 角「 查 看 公 众 号 」关 注 我 们
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