［短兵］系列专访
短片是大部分导演最初开始电影创作时会选择的形式，面对创作方式日趋自由化，题材越发多元化的电影制作环境，短片承载的价值也将更加开放和包容。［导筒directube］针对已完成短片，但暂无长片作品的新导演开启主题访谈栏目——［短兵］，每期将围绕不同的短片作品和对应的话题进行详尽的采访和讨论，希望为正在创作和筹备长片的新导演提供一定的经验和参考。
今年，一部带有自传色彩的短片在众多国内电影节展亮相，导演是来自北京电影学院的杨名，如bisff为本片所写的推荐语：“《山下野兽》如一台暴力摩托横行而来，自信张扬的影像表现力之下，清晰的浮现出一则浪子回头式的牧区寓言。”本片在今年获得第八届杭州青年影像计划金荷奖最佳导演奖，第十五届华语青年电影周主竞赛最佳短片等奖项荣誉，导筒带来导演杨名专访，走进这位拥有特殊“上山”经历的青年作者的影像世界。
《山下野兽》 Monsters Never Know
杨名 | 剧情/短片 | 中国 | 15min
剧情简介：蒙古族信仰腾格里，相信万物皆有灵。腾格里是天，天的灵藏在一花一木中，守护族人。族人们，称那些充满戾气且对自然与生命无敬畏心的刁人为野兽，野兽也译为受惊的动物。刁人虽恶，原非本意，至亲把刁人送上山，静心洗灵。腾格里的灵，则化作自然，在关键时刻为其指引方向，助他重回做人的路。
导演简介
杨名 演员 ，导演
1997年生于内蒙古乌兰察布，蒙古族
14级中央美院附中
18级北京电影学院导演系
导筒：中学时代你是学美术的，最初是怎样接触和喜欢上电影的？追本溯源应该是我爹，他算是个半个小镇文艺青年，很像张大磊导演《八月》中的那位父亲。他年轻时有阵子靠婚礼录像挣钱，90年代那会儿，花8000块买了一台磁带摄影机，不接活儿的时候就整天扛着拍我，各种角度，各种方式，现在看那些磁带觉得很有实验性。然后有VCD了，他就去录像厅租碟儿带回家带着我和我妈看。再后来有了DVD，他就去影像电器城，买那种盗版的新片刻录合集回家放。我记得我11岁的时候自己在家，特无聊，在合集里看了《春光乍泄》和《天生杀人狂》，我当时真挺崩溃的，后来知道王家卫和奥利弗斯通是厉害的导演。
那会儿最有仪式感的事儿就是每年《哈利波特》出了续集，我爸会带着我进城，也就是呼和浩特，在最繁华的维多利商场顶楼买来正版的《哈利波特》DVD，然后坐火车回家，摆上果盘儿全家一起看。我从小近视，我妈说就是我爸带着我看电影看的。导筒：美术方面的基础，在学习电影的阶段为你提供了哪些帮助和铺垫？学艺术史对我帮助很大，它让我处理画面时较快的搜索到相对匹配的造型思路和美学观念。还有，我很喜欢连环画，它和电影分镜有些像，画之前必须有个故事才能开始，我自己也画过一些，似乎也锻炼了用画面讲故事的能力。最后就是有些手头功夫，可以自己画画分镜和构图。
杨名创作的连环画
导筒：《山下野兽》是你带有自传性质的的表达，为什么会想在大学刚开始的阶段去选择这样的一个主题？选择这个主题的主要原因是内心深处的某种感概吧，十六岁如果没上山现在还不知道啥样儿呢，简直不敢想。记得我上大学后，有一次回老家，我父亲开车去接我，半路上突然冒出一句话，他说，没想到你现在这样儿，16岁时我以为你这辈子完了，听完我颇有感触。所以我常思考是什么引起了这“一念之差”。我是蒙古族，从小在藏传佛教的文化环境下长大，有时思考到尽头会与某种形而上的事物关联，在片中我把它当作隐线，很暧昧的放进去。不过我不喜欢强加一些表达给观众，感受到了就有，没感受到就没有。
《山下野兽》海报
片名是摄影师和我一块儿琢磨出来的，我们先后想了很多，“牲口”、“黄毛野兽”、“野兽不知道”、“野兽上山”、“山下野兽山上人”，最后我们一同敲定了“山下野兽”。至于片头书法，是我父亲写的。他字如其人，比较儒雅，我只好在旁边大喊着，狂野些！再狂野些！他写了几十遍，最后写出了现在这四个字儿。我目前每个片子的片头都是他提的字，省掉很多经费哈哈。导筒：剧组拍摄的人数规模和时间周期大概是怎样的？摄影使用了怎样的设备？拍摄周期是整整十二天，基于摄影上纯自然光的考虑，我们得追赶太阳，每天都是中午2:00出组，到晚上6:45太阳落山收工。摄影设备我们使用了三台sony的a7r3，和一台zcam，都是朋友们来的时候自带的。导筒：影片的剧本是你一本小说的开篇几百字改编而来，文字创作阶段中，你对于成片会有怎样的预想？可能是我画画的缘故，我超级喜欢且容易陷入形式，一旦碰到一个令人诱惑的形式就会在脑海中挥之不去，不自主的想加到情节里来完成这个画面，但这显然是在给我的文本捣乱。因此我会把我编剧和导演这两个工作区分的比较开。在文字创作阶段，我避免思考太多视听，更多考虑文学层面的人和戏。到了剧本相对扎实的阶段，我才放开了去预想。抛开哪个阶段来说，我对于《山下野兽》的预想，基本可以用我常和组员们说的话来概括：咱们做一碗兑可乐的酥油茶哈哈哈。导筒：影片开场时极具地域特色的配乐成功带动了影片的氛围，谈谈配乐方面的设计。《山下野兽》的配乐是Bowaswell的张一弛，虽然我们交情很深，但一开始没觉的他会愿意来做配乐。因为他是独立音乐人，有很强的个人风格，而配乐大多需要的是无形的创作，我担心他会不乐意。那阵子他刚从欧洲回来，听了一圈儿世界音乐，正对少数民族音乐有浓厚兴趣，我趁虚而入，和他说这里有个做世界音乐的项目，他爽快答应。我们是在他的homestudio里完成的，前后大概12天，我们每天呆在一起，从早到晚。配乐上他的思路是按照一首歌来做的，因此很有整体性。配器上有口簧，马头琴，合成器，转音碗，吉他，蒙古三弦等，家伙不少，从东到西很融合。混音上，我们商量跟着整个片子的情绪走，前半部分要粗粝爆裂些，后半部分要听的清楚些，空灵些。配乐大致分四个段落，启幕部分我想做些类型唤起，把观众尽快代入进来。一弛选择了融合电子，在里面加了很多音效化的音乐来描述空间，比如用铁棍划吉他弦来描述刺眼的太阳，用玻璃敲蚊香盖儿来描述天空，我们玩的很嗨。中间“逃跑成功”那段比较犯难，因为我们不想只描述画面内跑步的紧张，而是想跳出来描述男孩即将走入某种形而上的境地。最后一弛用蒙古族的五声音阶扒出了一段儿我们都觉得特准的曲儿，然后我们一致敲定它为整个片子的旋律动机，在后面的段落中都有出现。成功做完这段后我们已经抓住片子的核心，后面也都顺了起来。第三段把上一段的动机套用、变速，配器上加入中东鼓，蒙古三弦，中国鼓和电吉他，一口气都做完了。做配乐的过程中，我也逐渐捋清了全片的脉络，发现了很多以前没有注意到的点。整个过程我们的声音指导董博瑞也全程参与，一起出谋划策，累了我们就一起蹲在房顶上抽烟，现在回想是一段美好回忆。导筒：现场遇到了哪些困难，事后总结起来会对以后的拍摄有所警惕？首先最大的困难就是没有副导演帮我盯表演，我作为演员没有支点。第二是动物戏真不好拍呀，我们里面有五种动物，实在不好控制。我一开始写的是泥潭救马，都要开拍了，老师看了剧本后大清早给我打电话说：“你会被马踹死的，根本拍不下来，赶紧换。”然后我想了想，决定换成羊。最后一个困难是A7合板真麻烦，当时对于场记工作不重视，最后把自己搞得头昏眼花，唉。导筒：自导自演是目前学生作品中比较少见的，你对于表演会有怎样的思考？一开始就决定自己来演主角吗？当时我们还是招募了，也有心仪的人选，但后来他没来，我就硬着头皮自己上了。说到表演的话，这次演完最大的感触就是我的自我观照欠缺准确性。当时我们在拍摄我的亮相镜头，内容是男孩探出头来焦急呼救。白天觉得拍的很好，晚上一看，为什么我的呼救看上去在笑？一点都不严肃。后来一分析，我的眉毛比较掉，扬起来的时候像是在笑。我之前的表演经验都是舞台和话剧，这次走到荧幕前，观看自己的特写，才恍然明白我对自己的身体长相还了解的不够充分，做不到准确的传达情绪，自己的怒人家看了以为是乐。蛮像画画的，只不过身体就是画笔，我对手里的笔了解不够。但后面拍摄我都会提前对着镜子演一演，也就渐入佳境。导筒：你的影片时长控制在了15分钟，角色也不多，在剪辑上你是怎样把控叙事节奏的？这个片子一拍完，我放着没剪，紧接着就去排话剧了。一放半年，再捡起来已经是今年二月。我也完全从导演的角色里跳出来，很彻底的进入了剪辑师的角色，完全不在乎作为导演觉得哪条好哪条不好了。在剪辑上，我没有具体的设计章法，或者思考要怎么把控，就是一遍遍看，完整的看，然后把自己放在观众的位置上，哪里觉得不好看，就调整。直到弄的我觉得挺好看，周围朋友们也觉得挺好看为止。不过短短15分钟，我硬是剪了6个月。现在有放映我基本就会躲开，过个十五分钟再回来，因为盯着它太久了，再看会有点反胃。导筒：影片大段的车内狭窄空间拍摄，但是取景又是在广阔的草原之上，这种错位中，摄影方面会有怎样的准备和设计？《山下》的QA环节中经常有观众表白摄影，正好借机会聊一聊。摄影是胡英海，他自己本身也是导演，去年八月他来我家玩，我和他聊了聊《山下》的构思，原本没有拍摄的意思，结果他说你这个想法很好，多准备点儿钱咱这两天拍了吧，我给你当摄影，于是我们就开干了。取景地就在我老家乌兰察布，都是我从小长大的地方，很熟悉。我们先是堪了景儿，聊完后，觉得大草原日照很充足，于是决定全片用自然光拍摄。由于草原比较平坦的，缺少构建前后空间的层次，胡英海建议我把故事发生时间都定在黄昏时段，于是便敲定了全片都在下午到黄昏间拍摄。在准备上，开拍前几天，胡英海每天都会开俩小时的车去拍摄场地观察日落，记算好太阳在哪个角度的时候适合拍哪一个镜头。因为他提前堪景观察自然光线，我们拍摄的效率和质量都很高。关于车戏的拍摄，车内的镜头基本上都是广角镜头手持拍摄，以此来展现片中父子二人的冲突。黄昏时低角度的阳光可以正好从窗户里直射进来，仅某几处车内车外的光比过大时，我们才用灯棒或布灯平衡下反差。最重要的是我们运气很好，天气预报说12天中有6天下雨，但硬是一滴都没下，大太阳陪着我们从头到尾。
杨名在杭州青年影像计划颁奖现场
导筒：今年你的作品接连在杭州青年影像计划，武汉华语青年电影周，北京国际短片联展，厦门hishorts!等节展放映，与观众交流，以及和其他创作者的联络中，有带给你新的思考吗？很有感触呀！首先是与观众交流上的，我切身体会到导演是个总负责人。就拿画面举例，如果画面很好，观众会夸摄影厉害或者调色厉害，似乎和导演没啥关系。但如果画面烂，观众会首先觉得是导演不大行。这警醒我得使劲儿把控好片子的每一环节哈哈。第二是密集的接触其他的创作者们，让我重新思考自己。总结下来，首先是自己在创作时眼界窄，只看着自己的一亩三分地。其次是我的东西太工整，太old school。拿画画比喻，就是我的画儿太紧，太抠，需要再放松一些，再破一破。第三是还得提升观念和视角，重新调整我和学院的关系。导筒：你觉得短片这个形式，对于年轻创作者来说，应该着重在哪些方面做努力，才能让作品达到最好的表达？我最近觉得，是实验性。刚进电影学院时，我总把长片和短片混为一谈。后来想想，单从时长来说它们就承载着不同的叙事职能，因此延伸出的观看方式和创作模式也有着很大的区别，所以似乎短片更个人一些，也更极致一些。引用我老师的一句话：“短片是蹦迪，你是DJ，放古典乐就挨揍。”颇有同感，但我也不大确定。李安，奉俊昊，我贴在我的床头（还是从我室友墙上抠来的）。此外，虽然不是导演，但也时时给我震撼的马蒂斯、夏加尔，他们的所有画面。作品的话，我很喜欢贺友直老先生feat.鲁迅先生的连环画《白光》，每次做作品前，我都会看看，我觉的里面有我需要的所有奥义。
连环画《白光》封面
再过半个月，我的下一部短片《关于那次对话》就要开拍了，头大。然后便是我的毕业短片，暂定名《鬣狗》，剧本在今年8月份也基本定稿，一想起来我就激动！除这两部外还有部科幻短片，如果有机会希望也能把它拍了。我想在尝试长片前多多的拍些短片，做做探索。当然最期待的还是拍长片，这些年我自己也一直在换着写两个长片剧本，这个写不下去就写另一个，如果顺利毕业的话，会着手开始做它们，希望一起顺遂吧。
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