大美祖国黄土地刘武宏原创彩墨山水作品欣赏
寄语：黄土高原是贫瘠的、荒凉的。然而，黄土高原又是迷人的。每当我行走在高原上，山山峁峁中透出的单纯与厚重，人与自然在这里形成的独特关系，窑前屋后呈现出的生活景象，那种“把酒话桑麻”式的平和与宁静总是令我神往。描绘它是为了表达我对这片土地的敬意，也是为了与人分享这份苍凉而纯净的美。
我仿佛闻到黄土地的气息：淳朴的泥土芳香，似母亲柔软的胸怀给了我们温暖；九曲黄河奔流到海，是中华生生不息的脉搏 ......深深眷恋着那片黄土地 ，一曲述说着一个传奇，久久不曾远去的歌谣......
他的艺术成就受到高度关注，其画作广受赞誉，五十多年来他对彩墨画的探索与坚持，也让刘武宏在绘画的笔墨语言上功底日臻成熟，风格自成一体。他一如既往对彩墨画的执着，必定是抱着对彩墨艺术无限的热情与坚守。正可谓，艺术之道，乃寂寞之道。真正的艺术行者，其实一生就是一程孤独的苦旅，常常形影相吊。要内心淡定，甘于寂寞，洗净匠气，才可还原事物本真，其中辛酸，或许只有他本人才能体会。
刘武宏老师性格豪迈直爽，性情纯真热情，观其作画，不禁为其视绘画如生命的热情所感动，联想到其作品，更觉得那飘零满地的落叶，仿佛在飞舞，那接近枯萎的叶子，却放出了夺目的生命之光，其红似火，其绿如翠，其黄如金，或许画家不仅在讴歌生命，而且寄予了“同物我，一死生”的哲思，表达漫漫求索中的光明与希望。可以看到，刘武宏的重彩水墨，已开掘得很深了，他试图在写实与写意，真境与幻境、暗淡与明媚，清晰与模糊，枯萎与茁壮，生长与凋零的呈现与转化中，抒写内心的细腻情感，表达哲人式的宏观感悟。尽管他的视觉观念不无西方的影响，然而其艺术精神却是东方的。
写生是一种放飞心灵的自由
宽广的视野，深邃的思维，崇高的境界，这是画家刘武宏绘画的作品体现，也是他个人写照。欣赏刘武宏老师的作品，一幅幅重彩画卷扑面而至，光彩夺目。万山红遍，层林尽染，万类之境，随缕缕瑞气濛濛祥云，化为无影无形。此景只应天上有，人间哪得几处寻。一幅幅精彩绚丽的彩墨画卷，营造出富饶无比的内容，随着委婉的运动视点，整个画面像一幅立体的多维全息图景在缓缓的运转，深沉升腾的段云，绵延起伏的山壑，紫气葱郁的丛林，行云流水般的线条，以其高度概括时空的视觉冲击力，使人的脉搏和呼吸，都随着画面情景节奏强劲的韵律在一起震颤跳动，生成辉煌的乐感。阵阵乐声交织而起，如贝多芬悲怆神圣的“第五、第九交响乐”，似张若虚作词隽秀明朗的“春江花月夜”，又似光明欢喜的佛家梵乐。
在彩墨创作的道路上，刘武宏始终保持着不断求新，求变的理念。笔墨当随时代，也应顺应时代。“随”是一种变化，“顺”是一种融合。他的每幅作品中都要求有一种变化在其中，作品大都是自己艺术思想的体现，不复制，不雷同，反复强调变化，无论是从物象、色彩、线条、还是表现手法。花很多的时间结合自己对当下艺术理念的思考，使作品中的物象产生某种变化。同时又融入西方美术的构成元素，找到一种东西方绘画上相通融的东西。他的每一幅作品都有着自己的特点，他用一种与众不同的表达方式来诠释属于自己作品的独特性与内在的深层含义。通过作品中的主题和形式语言的融会贯通，来创立属于自己独特的绘画风格。
“融古今中外为一炉，合东西南北成一家”是刘武宏彩墨画创作的原则。从上世纪七十年代，他便开始对彩墨画进行研究和创作，在作品中致力于中国传统绘画、和西方现代及当代艺术的融合，并由此创作了大量的彩墨画作品。早期致力于彩墨画的创作，98年后主攻彩墨山水及中国江南风情画，致力于改革传统的探索。创造了既水晕墨涨又色彩斑斓的画面效果。他将中国佛教的宁静、和谐、浑厚和文化背景与现代人文主义、自然主义的人性化主题相结合，建立起自己绘画的内在气质和品格；融中国画传统的水墨与西方的后期印象派的色彩为一体，抓住了墨与色的微妙关系，改变了前人在生宣上无法进行色彩塑造的传统；把中国传统的散点透视与西方的定点透视方法相结合，既集中又丰富，作品因此而具有无限的张力；平行的构图方法及纯色的运用，增加了作品的现代性和装饰意味。
他的作画注重整体气势，强调色彩关系的对立，并对色彩经营和对墨色的水分把握得恰到好处，行笔准确到位，落墨果断不拘泥。皱、擦、泼、点以及轻、重、缓、急的节奏感汇同色墨并用，一气呵成，接下来便是精心提炼，细心收拾，有时他用色非常夸张大胆，纯青纯绿、大红桔黄，浓墨重彩，浑然一片，令人惊心触目，画面似无序的色墨演变，经其巧手一拨，便奇迹般的各就各位，妙趣天然，再看这万仞之巅，似幻非幻，山石树丛在辉煌绚丽的石青石绿和金红桔黄中忽隐忽现，浓墨重彩魔幻般的淡化在光波流云之中......
画家艺术语言的锤炼与建构是至关重要的。一个画家一辈子苦心经营的主要是自己的艺术语言，建构自己的语言体系，主题、内容只是载体而已。事实上，能让人们记住的，不是你画过什么样的主题，而是看你的绘画语言是否具有不同于他人的独特魅力。正如歌德所说：“题材人人看得见，内容意义经过努力可以把握，而形式对于大多数人而言是个秘密”。在处理空间、构图、线条和墨色等诸多问题时，刘武宏做到了融汇贯通，随心所欲，尽得物性，体现了西方现代绘画的形式语言，达到了与传统绘画异曲同工的效果。画家采用传统的积墨、积彩，以及勾和染的方法，并将这些元素予以强化和强调，起到加强画面空间层次的作用，其中还吸收了西画、壁画之精华，让人感到雄沉的张力。采中西画之精妙，色彩沉稳厚实、活跃欢快，笔力稳健，构图精当。颇具形式美感，真让人读之不厌，赏之犹欢。
一幅好的作品，看后令人暇思，心随画动，画家给了作品生命，与观者产生感应，这就是共鸣，这也是一幅画作成功的体现，是画家与读者心灵感悟的交流，一幅美丽动人的画面，就会产生音的回荡，声的和弦，这是一种极高的艺术境界。感受画家飞扬的思绪和神彩，为画家慧心独有而打动，更为蕴涵的诗情而同化，从一个个体的生命，感悟大自然所给予的人类视觉与心灵的无私馈赠，在心与物之间，构成一种真诚的审美体验。笔者认为，构成作品的艺术品格核心主要不在题材、技法本身，而是对整个大自然的生动景象，经过人格化的情感，创造一种物我相融、天然宛成的超越自然的艺术境界，一种诗情般的意境，这便是山水画创作的灵魂。古人云：“观山则情满于山，观海则意溢于海。”山水无情人有情，可见，艺术形象是心灵移情的产物。在艺术创作中只有钟情于此，寄情于此，把对大自然的真情、真实的感受转换成视觉语言，创造一种物我合一的即景即情、笔精墨妙的佳构妙想，寓情于描述中，寓情于景色里，才会创作出独具个人风格的绘画作品。当你仔细观赏刘武宏先生的作品时，你会慢慢地体悟到他笔下的韵致，正源于他自己情感思想的独到之处。
既然是艺术史中最伟大的一种艺术，那么传统也许有它的长处，但必须和复制作斗争，因为用反复千百次复制的方法去作画，就有损于自然性和变革。
风景画不是风景，是绘画。我们看到的风景只是表象，而绘画应该表现那些可见景物背后的东西。从景物形象和形式语言中流露出来的独特气息是一幅风景画的灵魂，它看不见，摸不着，却可以感觉到。有了这种气息，画面这个方寸之地便成了独具个性的生命体;有了这种气息，那些运用绘画语言描绘的景物形象才真实、可信，那些独特的形式语言才更自然、贴切，艺术与时代。
我想绘画的问题，同社会的背景、生活的环境，和科学的进步都有关系，同文学、音乐、舞蹈、电影都有关系。我们对于来自各方面的影响都应该接受，这些观念上的东西对于艺术创作都会有帮助的。
每代有每代的问题，二十世纪的画家怎能去画十八世纪的画呢，绘画问题是一生的问题，问题总是不断的产生。一个人生活在二十世纪，却对新时代的文化观念不了解，或是不愿意了解，我觉得很不妥。艺术创作，应该与时代有关系。
我们要真想对山水有所亲近，那就得用一份虔诚三份敬仰去读去品。大到千年的古树，小到嫩稚的小草；高到那耸入云端的峰顶，低到那承载溪水流淌的峡谷；壮到那延绵不断的山群，微到那弯弯山路扬起的土。。。。。。。都是拨动我们心弦的欢歌；荡涤我们心灵的圣经。热爱生活、热爱自然、富有才情的人读出山水的色彩，品出山水的魅力，从而享受山水的美好情趣与高洁乐趣。那无言无语的山水凝聚着大自然的精华，而我们自称主宰生活的人啊，与之相比只不过是一群浅浅的小溪而已。茫茫人海，匆匆过客，青山依旧在，江河向东流。少一点浮躁，多一点沉寂，不图在喧闹中有何浪名，只求在清净中寄情于山水。读山品水戏笑人生，也是一种超然的境界。
陕北高原的初秋，阳光照射下的黄土地金灿灿、软绵绵的，充分展示了大地的宽厚和仁爱，是实实在在的“平凡世界”；残破的窑口，错落有致的石头矮墙，院前屋后的老树枯枝，无不书写着历史的沧桑；而一片片挂满枝头的红枣山楂，又洋溢着无限的生机和丰收的喜悦。这就是我们眼前的黄土高原。深入生活，感受生活，表现生活是山水画创作的“源”，这里没有大城市的喧闹，黄土风情带给学员们的是最朴实，最真实的写照，它土得掉渣，大得雄奇，美得撩人。沟壑纵横、土坡层叠，如此近距离接触黄土高原的人文历史，独特的地域风情，激发我们的创作热情，他们用速写、用笔墨记录内心的感受，把对景的感受转换成笔墨语言，挖掘黄土高塬最美、最动人的一面，不但要考虑构图，还要讲究画面的前后关系，主次关系……。
刘武宏在五十多年的艺术生涯中，始终坚持淡泊的心志，以中西文化的双向精粹，开拓了中国彩墨画的崭新面貌，在精粹的画幅中表达细腻精致多姿多彩的感受，甚至驰骋想象试图表现对哲理的真诚感悟。他不但赋予彩墨画以更加感性化的视觉表现，而且那表现的手法，正好与当今市场经济背景下复制成风的时尚背道而驰，有着极强的不可复制与不可超越性。这实在是一种“质沿古意而文变今情”的艺术，是一种融合中西却有旨在弘扬东方人文精神之光的艺术。尽管他的艺术尚在发展中，我还是由衷地崇敬这种创造，希望画家再接再厉，取得更大的成就。