中国当代最具收藏价值书画家：吴昊
【艺术简历】
吴昊，二级教授、博士生导师，享受国务院特殊津贴专家，省级教学名师，“德艺双馨”美术工作者，省级师德先进个人。中国国家画院公共艺术院环境艺术研究所常务副所长，西安美术学院原院长助理、建筑环境艺术系主任、创始人，西安美术学院学术委员会委员，中国美术家协会会员，中国美术家协会环境艺术委员会委员，中国艺术研究院环境艺术委员会委员；陕西省美术家协会理事，陕西省中国画学会副秘书长，陕西省花鸟画研究会副会长，陕西省花鸟画研究院副院长，黄土画派画家，西安市中国画院画家。2013年至2015年研修于国家画院“杨晓阳工作室创作高研班”，2015年至2017年研修于国家画院“杨晓阳国家艺术基金美术创研班”。
1986年曾在古城西安举办《吴昊中国花鸟画展》。近年来作品曾在美国、法国、德国、挪威、日本、韩国、白俄罗斯等国家展出及收藏；有多幅作品荣获全国性奖项；2014年荣获第十二届全国美术作品展“中国美术奖创作奖”金奖。
《颂荷》
留得残荷听雨声
——吴昊的花鸟画
赵农
境由心造；事在人为。
少年吴昊敏感于传统中国画的文化魅力，开始奔走于古城西安的国画名宿之间，求教于康师尧、王子武、李世南、王有政诸人，也多与同辈画友相互激励，切磋交流。考入西安美术学院以后，其花鸟画又得力于刘保申、张之光、江文湛、陈国勇先生的教诲，手摩心追，气移境成。即使多少年之后，吴昊长期从事环境艺术设计教学研究，但是所见草木树石，仍然不断演化为心象，不断地挥笔涂写，以至信手拈来，境造于心，别具一格。
《颂荷图》96×180cm
中国画进入写意文化阶段以后，是以笔墨的瞬间性挥写，以致达到某种特定的艺术效果，因而文学性的意境也会融合于绘画，在笔墨的皱擦点染之间，是以人生的丰富体味，而形成自己的独立面貌，并具有特殊的美感。
《雨声》95×178cm 2019年
吴昊多少年来每见前贤书画佳作，便心痒指划，默记于心。也于静几明窗之处，孤灯夜雨之时，以墨戏小品为佳构。所作既勤，所积渐多，于是翻检之下，也见长天一色的诗韵，萧瑟孤远的意境，是常常伴随着画家一招一式，一点一划的水墨挥写，而使画中的立意、布局、墨色，获得了中国画笔神墨韵的精神本质。其点划之间，不舍物像，任其绘制，终究是天然若意，蕴藏着个人的体味，亦远尘嚣而自得，知宁静以致远，其花鸟画作的空间的分布，也夹杂着时间的流逝，昭示着强烈的生命意识。
《留得残荷听雨声》138×69cm 2020年
20世纪以来，中西艺术的交流，有着许多回的碰撞、融合，所形成的视觉观念，也影响着艺术家的思维方式。吴昊由于工作的原因，许多年前研究了水彩画、水粉画诸多的西画形式，亦知水彩的水调胶质颜料，通过水色的渗融效果，使画面产生透明湿润的艺术效果。而水粉画是以水调和粉质颜料，通过色彩的组合变化，形成干湿、透明、厚积等不同特点，介于水彩与油画之间的艺术效果。
《听雨》138×69cm 2020年
同时吴昊多少年的艺术创作实践，尤其是在经营许多环境艺术设计的规划中，视野开阔，形象鲜活，有着许多回直面景物的写生感受，积极拓展着画家的精神空间。尤其是古典园林的造境，将文化融尽砖石之中，在曲折变化中，心蕴以境成，意出而园生，以“壶中天地”的隐逸文化，体现着“天人合一”的美学思想。
因此，吴昊能够自觉地将许多营造的观念，合理而充分地融化在自己的笔墨实践之中，于是空间的拓展与时间的追问，所构成的水墨实践，包含着许多对花鸟画的精诚探索。
《大荷塘》138×69cm 2020年
中国画本有“外师造化，中得心源”（张璪语）的写生观，也有从“传移模写”到“气韵生动”（谢赫语）的审美论，吴昊长期的花鸟画创作，是在积累了大量的素材，所获得左右逢源的创作自由，使其花鸟画的绘制犹如万斛泉源，不择地而随时涌出，自有妙处自得的硕果。吴昊对花鸟画的追求，亦融汇精细和雄阔于一体，化解着凝聚与散逸之不同，是以点面理趣，色墨意韵，闲散地溢入画境，实有清风花香的佳境。于是通过笔墨的皱、擦、点、染、勾、勒，表现出干湿浓淡，虚实疏密的不同效果，其素雅和谐，生意盎然。
尤其是对荷花的关注，是吴昊花鸟画精神衍生的出发点。
《禅意》138×69cm 2020年
宋代学者周敦颐的《爱莲说》：“出淤泥而不染，濯清涟而不妖，中通外直，不蔓不枝。香远益清，亭亭净植，可远观而不可亵玩焉”，是为千古名句。在人间常态的植物中，牡丹为富贵之愿望，菊花是文人之风雅，荷花便是平民之寄托。
春夏秋冬的荷塘，自有着不同的特点。春池的宁静，蕴藏着希望的生命；夏塘的绿蓬，摇曳着清风的欢快；而秋水的荷梗，支撑着莲蓬的倔强；冬日的枯荷与残梗，也寄托着人生的反思与期待。
《颂荷》138×69cm 2020年
《庄子·外物篇》：“言者所以在意，得意而忘言”。吴昊自觉于生命的价值，人间意气，秋水文章，以意化境，指虚为实，于是，吴昊笔下的荷色，一反常规的“接天莲叶无穷尽，映日荷花别样红”（杨万里诗句）荷花画法，而是舍去妖娆而得其清逸，删其繁缛而获得疏落，于是笔墨着意，布局自如，于墨点之间，线条之中，横斜分割，寻找着气韵的雅境。只见荷塘绿影，斑斑绰绰，以点计面，虚实相间，以简胜繁。亦知云水之间，孤荷闲立，四面临风，甘苦自知。
吴昊于自然中寻找清净，以散心化作无染，并于适闲从容的画风中，宁静而不喧嚣，自尊而不妖娆，清风朗日，甘淡自知，实为一种心境的写照。
2011年5月28日于风物长宜之轩
《听雨》138×69cm 2020年
有选择地享受自由
——评《吴昊花鸟作品》
文/邵养德
面对吴昊花鸟画作品，我受到了极大鼓舞。作者于1984年毕业于西安美术学院，他刚度过“不惑”之年投入“知天命”的岁月。吴昊性格内向，有一种所谓的“气质性痛苦”来自压抑的深处，尽管内心世界的烈火燃烧得异常炽热，但表面上仍镇静自若，竭力节制自己。他深知：“艺术家的进步，就在于不断的牺牲自己！“因为艺术是他追求的生命的终极目的。艺术家不是万能的，他们不可能在人生旅途中处处到位，节节胜利，如果在艺术上取得成功，在其他方面失误也就无关紧要了。我认为“节制”是吴昊的性格特征，并形成他的艺术风格，由此切入其花鸟画作品，展示他那丰富而微妙的内心世界，从而与他进行愉快的精神交流。
《高秋图》138×69cm 2019年
吴昊通过莲花渗透了更多的个性特征，他言简意赅，以焦墨勾勒荷叶，茎络的来龙去脉历历在目，一朵盛开的莲花隐藏在叶子的背后，撑开的莲叶就象一把“保护伞”。从作品中我发现了一点怪异的现象，他为画面题词时反复出现“中秋”、“秋雨”、“孟秋”、“秋菊”、等与“秋”有联系的意象，足见他畏惧步入中年，又希望超越这个年龄段，艺术仅仅作为替代性满足才激发了他的创作热情。他在创作过程中不追求题材的新颖而强调构思的巧妙，因为熟悉的题材有希望出奇制胜，巧妙的构思才能超凡脱俗以达到出神入化的境界。他在花鸟画创作中继承了徐渭、八大山人和石涛等历代艺术大师的人文主义精神，所创作的花鸟画，其审美情趣“以曲为美。直则无资；以欹为美，正则无景；以疏为美，密则无态”。他以轻快的笔法体味空灵，虚中求实，以疏散的布局展示闲适，忙中偷闲，借以缓解内心的紧张感。可以想象，他绝不满足现有的水平，仅仅是对以往创作的回顾，由此展示未来的前景。
《初听夏雨》138×69cm 2018年
聊以墨滴寄情怀
——读吴昊花鸟画
文/王兴华
“一墨大千，一点尘劫。是心所现，是佛所说。”吴昊用笔线解读大千，以墨滴寄托情怀。他画写意花鸟画，以一花一叶感悟人生菩提。吴昊生长在西安，幼时就能受到汉唐传统文化的熏陶，又有幸接受西安前辈名师的指导，从而深谙中国传统艺术之精神。吴昊的原专业是建筑环境艺术，中国传统园林与中国画所追求的境界有诸多相同之处，因而他在纸绢上的布局造境便是游刃有余。
《禅意若莲》138×69cm 2018年
吴昊作品多为文人画题材，如梅、兰、竹、菊、荷等，而吴昊更喜好画荷，他以荷花比己喻人，“出淤泥而不染”，身在尘世，而不染尘埃，他本人更是心正身直，暗合“中通外直，不蔓不枝” 之品性。画荷花，他多画荷塘听雨或秋雨荷塘，雨点滴滴，墨点滴滴，这不知是雨滴还是墨滴，是雨点还是泪点，也许是“墨点无多泪点多”吧。画者多以时节感叹人生，寄托情怀。春雨，寄托画者的情思与哀伤；秋雨、秋塘感伤人之垂暮；而冬日，却以早春表达冬季将过，希望在即。吴昊深谙师法自然之真谛，真正的师法自然，不是师法造化本身，而是造化背后的拟喻与生命价值，所以其作品题材中少见繁花夏荷，而多表现秋藕残梗，不是对旺盛生命期的赞叹，而是对生命垂暮的感伤。而其题材中多次重复用“秋”，更是体现了“愁”与“思”，这可看出作者之愁肠情思与悲悯情怀。
45×65cm
在形式语言方面，他继承了文人画的程式。笔墨程式近追苦禅、八大，远溯青藤，并加以拓展与延伸，袁枚《随园诗话》有云：“蚕食桑，而所吐者丝，非桑也；蜂采花，而所酿者蜜，非花也。”吴昊通过自身的领悟，“破”古人之常法，形成了自身的笔墨面貌。“简”是其绘画的主要特点，“简”首先是形简，其次是笔简。形简脱物之束缚，方得意忘象；笔简可造自然之性，成造化之功，方生象外之境。黄宾虹云：“不难为繁，难为用简，简之力更大于繁，非以境简，应减之以笔”，吴昊在形与笔上简，以少许胜多许，画简而意深。灵感的震颤转化成富有意味的形式，简洁的线条与不经意墨滴的组合形成了吴昊自身独特的艺术语言，而这种语言与其婉约题材又相匹配。
45×65cm
唐代王维《山水决》中谈到：“夫画道之中，水墨为上，肇自然之性，成造化之功。”吴昊深谙“水墨为上”之道，作品多用墨不用色。张彦远在《历代名画记》中说：“草木敷荣，不待丹碌之彩；云雪飘扬，不待铅粉而白。山不待空青而翠；凤不待五色而綷。是故运墨而五色具。” 西方印象派用色彩描绘缤纷世界，中国画用墨色来概况万物色彩，华琳《南宗抉秘》曰：“墨有五色，黑、浓、湿、干、淡，五者缺一不可。” 吴昊以一墨生万有，墨色变化丰富又不落碎、弱、平、浊，而用墨贵惜墨与泼墨，李成惜墨如金，王洽泼墨如水，而吴昊作画每念“惜墨、泼墨”四字，泼墨时气磅礴，微妙不见笔径，惜墨时，骨疏秀，点滴而见生命。用墨之法要通用笔之道，沈宗骞《芥舟学画编》中云：“用笔之道务欲去罢软而尚挺拔，除钝滞而贵轻隽，绝浮滑而致沉着，离俗史而亲风雅。”用笔之道贵“品”与“格”，而作品优劣不在于笔墨本身，而在于笔墨之外的境界。
45×65cm
他的作品具有诗性，又多引用诗句以寄情思，可谓“诗中有画，画中有诗”。如作品《在河之洲》引自诗经《关雎》：“关关雎鸠，在河之洲。窈窕淑女，君子好逑”。画面景象并非寤寐求之不得而辗转反侧的相思，而是两只水鸟情意绵绵相依相偎，可谓借古人之诗抒发自己之情。其中《好人一生平安》能使人想起宋代词人周邦彦《琐窗寒》词句：“暗柳啼鸦，单衣伫立，小帘朱户。桐花半亩，静锁一庭愁雨。洒空阶、夜阑未休，故人剪烛西窗语。”但画者不同于诗者，画者少了些思愁，多了些寄许，可想象在静影寒窗前画者在“笔落春蚕食叶声”中抹去愁雨，泼墨挥毫寄自己之心语。他把人生悲喜寓于笔墨之中又化为诗境散去。
吴昊用敏锐的感悟力以其执着的精神修身治艺，在虚静与闲适中把玩。“一花一世界，一叶一菩提”，他从一花一叶中悟得大千冷暖，生命愁肠，便以笔墨直抒胸臆，以墨滴述说心中的点滴情怀。
（本文作者系西安美术学院中国画学院副院长、博士，硕士研究生导师）
45×65cm
70×49cm
70×49cm
《秋雨时节》70×49cm
《在河之洲》70×49cm