解读 | 消费时代下的商业与艺术
对于许多的传统艺术创作者而言，将自身与“商业”二字联系在一起好像是一件听起来不太光彩的事情，毕竟有一种普遍的认识认为假如艺术沾染上了商业气息，那么就变得不再纯粹了。
但是有一些艺术家却反其道而行之，他们的艺术创作与商业、消费紧紧联系在一起，却备受市场的追捧。
他们的作品，重新思考并定义了艺术与商业之间的关系。
安迪·沃霍尔是波普艺术的代表艺术家，而波普艺术离不开几个关键词：商业、大众、流行、通俗、恶搞。
沃霍尔最早是一名商业艺术家，正因如此，他能敏锐意识到流行趋势是怎么创造出来并在消费社会传播的。据说消费者就是上帝。然而，激起顾客上帝的消费意愿的是产品的形象。
在这个被影像包围的时代，我们的消费意愿往往很大程度上会受到广告、品牌包装等外在事物的影响。
意识到这一事实，沃霍尔重新将可口可乐、金宝汤及其它流行商业品牌放在了一个较高的地位，将其视为艺术作品。
同时公众人物的肖像也是沃霍尔作品中永恒的主题。
他有一句话很著名：“在明天，每个人都能成名15分钟。”
这句话提前预言了我们这个时代。一个人人都可以发声又快速消亡的时代——消费时代，媒体时代。众声喧哗，留存短暂。来得快，去得快。既轻易又迅疾。
“所有的可口可乐都一样，而所有的可口可乐都很好喝。伊丽莎白泰勒知道，总统也知道，流浪汉也知道，而你也知道。”
"所有的我的电影都是人为的，我看所有的东西都有虚假的成分。我不知道虚假会在哪里停住，真实可以从哪里开始。"
"我喜欢无聊的东西 ，我喜欢一样的可以被不断的重复的事。"
“钱就是钱。无论我是辛苦工作还是轻轻松松到手。我一样把它花掉。”
“我们都在寻找的是那样一个人，他并不在场，却能付钱。”
安迪·沃霍尔的作品展现出本雅明笔下消费时代的一个典型特征，那就是：机械复制。
19世纪以来，机械复制技术进入一个全新的阶段，石版印刷术、摄影术和声音复制技术相继产生。
本雅明认为，机械复制对艺术的冲击，一个重要的体现就是艺术作品的光晕丧失。即便最完美的复制品也总是缺少原作在即时即地形成的原真性，会丧失原作具有的那种光晕。
现代以前，大多数艺术作品都是独一无二的。然而，机械复制时代的来临和现代感知媒介的变化，导致艺术传统的大崩溃和光晕在当代社会的衰微。
安迪·沃霍尔的作品本质上就是一种对影像的复制，并在复制的过程当中进行一些色彩或者表现形式上的变化，虽然它们的本质还是同样的图像，但是内在的意义已经大不相同了。
安迪·沃霍尔的一大贡献就是将那些应用于商业活动的图像剥离出来，为它们赋予了艺术的含义。
劳动力在生产社会中很受重视，而人们的购买力也在消费社会中备受重视。随着购买力变得重要，社会自然就变得以金钱为导向，价值也在货币词汇（如价格）中被评价。
因此，优秀的绘画作品通常很昂贵，昂贵的作品也被认为是优秀的作品。这一简单的等式就是赫斯特对其作品的定位。
为了成为“最优秀的”，赫斯特开始创作最昂贵的作品。赫斯特通过将动物身体作为素材，使其作品具有独特性和灵气。在寻找不能被复制的素材的过程中，他找到了创作出世界上最昂贵的艺术品的方法。
赫斯特一开始简单地认为艺术品也有制作成本。他在作品中使用了价值一千万英镑的钻石和白金，这一艺术品可以随时分解并在珠宝市场上出售。由于其珠宝价值，这一艺术品有着至少一千万英镑的货币价值，不费吹灰之力就使赫斯特成为了当代作品最昂贵的艺术家。
赫斯特的创作与过去艺术家最大的不同之处在于，过去的艺术家创作是基于买家原有的需求：比如说雇主需要一幅肖像画，而赫斯特则是创造产品来形成新的市场（需求）。
赫斯特创造了多个艺术品交易市场的第一，将自己的艺术创作发展成了庞大的产业。
他的作品，是世界富人们的收藏热点。
20多年的创作生涯中，赫斯特不断在作品中挑战艺术、科学、媒体和大众文化的极限。3.6米长的虎鲨、被锯成两半的奶牛和小牛、药瓶子、泼在纱线上的涂料、烟头、医药柜、办公用具、医学器械、蝴蝶、热带鱼，都是赫斯特用来表达人类神秘体验的中介。
才40多的赫斯特，比世界在世的任何一位艺术家都富有、出名、有权势。即便是安迪·沃霍尔，也没有像赫斯特这样如此影响主流社会，能够如此疯狂赚钱。赫斯特这位抽象艺术家，有着比任何一位同时代艺术家都要多的身份符号：流行明星、商业大亨、偶像、特立独行者。
1989年，大收藏家查尔斯·萨奇，花100万英镑买下赫斯特的巨型雕塑作品《圣歌》。赫斯特说，那是他第一次对金钱的力量感到害怕。
“你禁不住怀疑，这件作品到底够不够好？”
如今，赫斯特在伦敦成立了名为“科学”的公司，管理几近工业化规模的艺术品交易。当前，赫斯特的名字已经成为一个全球性品牌，控制着蒸蒸日上的商业帝国。
没有一个艺术家可以把艺术品买卖做成这么大的产业。当被问起自己身家到底值多少时，赫斯特说：“我也不清楚。大约1亿英镑吧。”
然而事实上，肯定不止1亿英镑。
这个艺术家的名字你可能不知道，但是你肯定见过这个。
这个《气球狗》曾在佳士得拍卖会上以5840.5万美元成交。
杰夫·昆斯（Jeff Koons）从上世纪80年代就开始出名，曾经在新表现主义艺术盛行的上世纪70年代，他是个完全不被接受的异类，作品的市场反应非常冷淡，为了继续艺术创作生涯，他去华尔街当起了证券经纪人，正是这一段商海生涯令他保持了一个商业人士精明的头脑并使他从血液里散发出对金钱的敏感。
作为当代波普艺术的探索者，杰夫·昆斯毫不犹豫的汲取了艺术史上的一切养分，达达主义、极少主义以及早期波普艺术都成为他参考与借鉴的源泉。他高举与大众交流的大旗，勇于向“高雅”文化叫板，向传统美学的等级理念挑战。
“在这个资本泛滥的社会里，艺术品不可避免地成为商品……我们不要在兜圈子了，还是一上来就当艺术品是商品一样生产吧！”
无论私底下还是公众面前，杰夫·昆斯完全不吝于自己对于金钱的崇拜。事实上，杰夫·昆斯已经和一个商人没有本质上的区别，也可以说他是一个商业艺术家。
对艺术品和经济价值的关系，杰夫·昆斯的看法是独特的，曾多次在公众场合喊出，艺术创业应该和经济利益相结合。
杰夫·昆斯出身平凡，在坚持艺术的道路上历经艰辛和磨难，操守非议和评判。但他依然坚持自己的艺术追求，保持着对艺术的热血澎湃的激情，甚至把艺术视为自己重要的生存手段，
由于他的个人经历，使得他了解到金钱对于艺术家创作的重要性。杰夫·昆斯提出的艺术创作应该与经济相联系的理念，并不是说他就是毫无操守的艺术商业利益追求者。
他并不是单纯的成为追求利益的商人，而是艺术创作中需要大量的资金投入，因为他进行最前沿的艺术创作活动，需要聘请大量的工作人员，运用最先进的技术进行创作。
“莫扎特原是宫廷里的艺术家，当他钱不够时就出去创作大家比较容易接受的歌剧。”村上隆如此直白的解释他对艺术与商业而结合的想法。
他深知大众和社会需要的是什么，于是他创作的便是社会各界的需求，而他最终所呈现出来的东西就是表达大众的意愿。
金钱不一定是最终的目的，可也是一种不时之需的选择，村上隆的选择便是将艺术与时尚品牌结合，从而达到一种过滤后的商业化目的。
很多艺术评论家喜欢使用“日本的安迪·沃霍尔”来形容村上隆，这除了肯定他们作品中的波普艺术风格之外，还有一层就是他们作品的多样性、复杂性，实际上最重要的是他们都赤裸裸地肯定“做艺术就是为了赚钱”。
时尚消费与奢侈品工业本来就是个庞大的商业行为。
曾在纽约克里斯蒂拍卖会上拍出了56.7万美元天价的金发卡通美女Ko2小姐。
让全世界女性追捧的LV也频频与他合作，装饰有他设计图案的LV手袋，每只售价高达5000美元。
Mr. DOB的形象也被印在T恤和气球上大量发售，成为深受年轻人喜爱的潮流品。
在这个信息飞速更新换代的当下，村上隆拿时尚和艺术来消费大众对于精神、财富的追求，他所掌握的是多数人还没有意识到的一点：时尚只是当下，可艺术从不过时。
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[文/编 《弘雅书房》 编辑部：沉鱼意]
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