摄影作品拍出油画效果

摄影作品拍出油画效果正是摄影者追求的一个方面。画家用油彩概括了现实，摄影者用像素也可以概括美景。用把现实视觉加以提炼和概括的手段来完成摄影作品，形成了拍摄的元素有了主次，有了画眼，让摄影者观察到的美感更注目，把摄影者意境寄托与作品中，这就是画，可以油画，国画，版画，抽象画等等。

只就油画来思考，既然追求的油画效果，就要把现实照片和油画的存在的差异作以比较，找出照片与油画差别是什么？油画的基本要求是：调子有统一的色彩，虚实有主次的层次，作品含有作者企图的意境等等，这是摄影创作要把握的。由此看来，摄影达到油画效果，不是只有用PS等后期软件才能做到的。再者PS的效果也可以用镜头摄取光影的元素来完成并表达自己心中的意境。概括现实的视觉效果，这也是相机以外观察和感悟。心中有了美，到处都是写生摄取的题材，都是画。

1、用相机的颜色设置把握调子

油画需要一个统一的调子，这样才有了主题的突出美感，一副作品的红、蓝颜色，冷、暖颜色即使对比，要统一在一个调子里，颜色再在光中有相容性，统一性。过多、过大的颜色和色阶的跳跃，会破坏画的感觉。这些统一色调的效果可以不用PS，用相机自身的功能来完成，颜色调整（白平衡）可以改变颜色的强烈反差，让画面的颜色统一。相机以外的外挂滤镜也可以帮助变五彩缤纷为统一和谐，保证拍摄环境作品的诙谐基调。还可以充分利用自然环境中的颜色和折射物的光（如云、雾、阴影、距离等等）分好黑、白、灰 的关系（这个黑白灰，不是黑色，白色，是亮度和颜色的纯度）。自然中拍摄风景巧妙利用不同时间的光效会有意想不到奇效。画面斜光是远景、中景，近景之间的关系的减薄器，它遮挡的位置会使主题突出。相机的光圈、速度使用，都不是标准常规的，跳跃的效果就要有常规不一样的曝光设定。爆过了有光呲的效果，欠爆会舍去一些不需要的环境，曝光会影响调子效果。相机是表现自己感觉效果的工具。不同颜色的调子可以改变现实的不足，让作品的颜色更和谐，也是油画效果追求者的初衷。

2、拍摄的层次决定作品的画面的体积感和深度

把握好拍摄角度、时间是区分好层次关键。不同的远近景物浓淡不尽相同，空气中的水分子会帮我们的忙。有了远景、中景、近景的色彩关系，虚实关系，一副有体积感的油画风景作品就成立了，层次在区分中，又托衬和融合，美妙也在其中了。

3、光线的运用也是油画人像摄影的主要手段

人像绘画中使用的伦勃朗光是塑造人物的一种用光方法，它突出了人像的重点脸部，让人物的脸更有体积感。在自然环境光中拍摄要选择利用好主光与附光的关系，才能扑捉好光的微妙效果。人像脸部会受到不同景物光的影响，会有人说怎么脸上有蓝色呢，这正是画的收入效果，摄影者观察要看到回避和利用的。

4、摄影的后期是在有了这门艺术就有了法定的暗房，没有后期会把一棵很甜的甘蔗咬了一口就丢了，后面的甜头可惜了。

后期还有一个功能就是它是相机直拍模仿的标准，虽然不是都能模仿的，但是现在的相机已经具备很多后期效果的功能。遮挡、滤镜等在菲林时代就是拍摄和暗房的主要手段，使用多少的后期，那是作者的喜好但不要成为平面设计就好。前期利用相机、滤镜、光照拍摄是一项很有趣的探索，拍好了，即是技巧还有技术。油画美，各村有各村的高招，摄影不是复制照相的图片，不是证件照，是用光修饰的自然，提高视觉感受的艺术。美是自然的高一层次，让美充满我们的视觉，让油画摄影风格丰富我们的摄影手段。

我啰嗦了，自己是版画系的，可能对油画了解的不那么透彻请指教原谅。

（选了近期几张作品来说明调子，不同颜色的调子它的清晰度也不同，因为白平衡的某一种不同的颜色会阻挡了一部分颜色，加深了另一部分的颜色，这样就有了反差或空挡。这些作品不是油画只是控制了 调子接近绘画的感觉）