巴赫·G弦上的咏叹调 (豆瓣)
《G弦上的咏叹调》，此曲为巴赫《第三号管弦乐组曲》的第二乐章主题，充满诗意的旋律美，使此曲成为脍炙人口的通俗名曲。
原曲创作于一七二七年至一七三六年之间，十九世纪德国的著名小提琴家威廉密（August Wilhelmj，1845—1908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。巴赫的原曲没有表情与速度记号，编曲者则指定“甚慢，极有表情”。类似低音弦的拨奏伴奏下，小提琴奏出悠长而庄重的旋律。全曲后半段出现的新旋律产生了更丰富的变化，最后在静似祈祷般的气氛中结束。
通俗易懂的有如流行音乐和各种以人声演唱为主的乐曲，曲调或简单或华丽，永远叙说着尘世生活的快乐与悲伤，直抒胸臆，酣畅淋漓。更为内涵丰富的就应当算是纯器乐乐曲了。比如新世纪音乐，比如电影原声音乐等等。最为深刻和内涵深奥的，当属古典音乐了。因为它最丰富，因为它最典雅。而凡夫俗子有如我是轻易难以理解它的美丽和深刻的。
这不免让人泄气了。这是一座绚丽多彩的音乐圣殿。你可以赞叹它的精彩绝伦，举世无双，但你却无法真正走进其中，无法体味其中的美，无法与隐藏于音乐深处的精神相契合。于是你仅仅满足于赞叹。
然而还是有这样一些乐曲。它们同样来自这座圣殿。它们简单纯粹却又丰富沉醉，无须绞尽脑汁条分缕析，只要一听就可以直叩心扉，直达心底。我把它们看作这座神殿泄露出来的光芒，照在我们心里。比如《梁祝》，比如贝多芬的《月光》，比如柴可夫斯基的《如歌的行板》，再比如，巴赫的《G弦上的咏叹调》。
《G弦上的咏叹调》是少数我一听便能认出来的古典乐曲了，尽管我知道的古典乐曲也不多。
《G弦上的咏叹调 （Air On The G String）》是巴赫（Johann Sebastian Bach）《第三号管弦乐组曲》（Orchestral Suites No's 1 and 3 #09] Ouverture No. 3 BWV 1068 in D major - Air）的第二乐章主题。原曲作于1727年至1736年之间，19世纪德国著名小提琴家威廉密（August Wilhelmj，1845-1908）将这段主题改编为钢琴伴奏的小提琴独奏曲，由于主奏小提琴必须在G弦（小提琴四根弦中最粗的一根弦）上演奏全部旋律，故此得名。
《G弦上的咏叹调》最最动人之处在于它的纯净的、诗意的、神圣般的旋律与曲调。从第一段落起初开始，旋律庄重悠长，起伏平缓，如行云流水，并几经反复。大、中、小提琴共同营造了一种悲天悯人的神曲一般的意境和氛围。到第二段落，原来的意境并没有被破坏，反而在情绪上有所发展，旋律起伏较大，高潮与平缓交替出现，像空气中不停流转的风，又像海上起伏的浪，但远比那美丽动人。在全曲的最后，旋律归于平缓静谧，仿佛在祈祷，在祝福。你置身于这样的乐曲中，仿佛一个罪孽深重却无法解脱的人。你跪在上帝面前祈求宽恕，而上帝则以悲悯的姿态迎接你，接受你的倾诉，你的忏悔，为你救赎，为你解脱。你又仿佛是一个历经磨难，受尽坎坷的人，身处水深火热之中。你愤恨不平，诅咒命运，心中充满黑暗。此时上帝再次来到你面前，为你抚平心灵的痛苦，精神的创伤，让你再次感受到光明，感受到美好… …总而言之，这是光明的音乐，是美的音乐。
由此，我似乎领会到在电影《七宗罪》和动漫《新世纪福音战士》中用《G弦上的咏叹调》作为配乐的特别用意，以及音乐响起时所带来的冲击和震撼。我想是巴赫将《G弦上的咏叹调》这个音乐世界缔造得太摄人心魄了，让人油然而生“此曲应只天上有”的赞叹。
就像电影《莫扎特传》里所说的，上帝将音乐告诉莫扎特，莫扎特就随手将这些神作写了下来。虽然是比喻的说法，但无不说明莫扎特的天才。我想如果有《巴赫传》，同样的比喻也不为过，至少在这首《G弦上的咏叹调》上是这样的。
它是上苍给尘世中的我们的珍贵的礼物，但首先是给天才巴赫的礼物，也是巴赫给予我们的礼物。没有它，音乐的圣殿将失去多少光辉的色彩，而艺术的世界又将减少多少动人心魄的美？
许多时候，对于来自艺术上的、生活中的美，语言总是显得苍白无力。如果你曾为一片风景驻足，为一幅画或一张照片而心有戚戚；如果曾看过一部电影，你为之欣喜，为之落泪，或者，被一首音乐所冲击、所震撼，我想那就是美的力量，美的强大了。这样的美令人愉悦，令人光明，让人面对人生的困苦又多了一份信心和勇气。那是一种照耀人生苦难的光明。
真正的美是无价的。虽然世事沧桑，岁月老去，它们却在时光的磨洗下历久弥新，愈发经典。在多年以后，重又谛听巴赫的《G弦上的咏叹调》，你也许能够再次找回第一次聆听时的心灵撞击的感觉，重又看到沧桑繁复而又丰富多彩、让人含泪又含笑的人生，重新感受到失落已久的美好与光明。那是永久的关于生活的感觉与记忆。
于是你感谢生活，感谢巴赫的《G弦上的咏叹调》。G弦上的咏叹调
“神说，要有光，就有了光。”荣耀的上帝将光暗分开，圣洁的光透过玫瑰花窗斑斓的折射，倒映在金铜色管钢琴前眉头微皱的男人肩上，罪恶的暗躲过死亡静美的诱惑，种在托马斯音乐学校里男人坚如磐石的心底里。男人是巴赫，他肩上的光构成了一部结构严谨的教堂复调音乐，他心底对死亡般解脱的渴望融于人声，在自由与专制交织的土地上吟唱了三百年。对我来说，上帝和他所谓的光与暗，都很远，触碰或是相信都是很难的事。可是，《G弦上的咏叹调》却让我感受到前所未有的憧憬的力量，这共鸣并不来自巴洛克的圆顶教堂，而源于千年的高山古韵流水清唱，我听得到，大提琴沉郁的伴唱中分明是相容相生的和谐之道，提琴婉尔悠长的流转中满是东方古国老庄圣贤的豁然之道，G弦细语连绵的吟唱如《平沙落雁》，描摹着轻盈的自然，还原着人性和自由的本真。
是不是灵魂天籁背后总有一段令人叹惋的命运，G弦背后伴着大提琴沉郁的低吟，那会是几把传奇的大卫朵夫（英国天才大提琴家杰奎琳的琴伴）呢？咏叹调里小提琴是白雪公主，圣洁、高雅、完美。大提琴是七个小矮人，黑暗专制的教会、贫穷饥饿的生活、恐怖的黑死病，无论是怎样的压迫与厄运，这些低浅地呻吟都会在那儿伴着你，用它们厚实的手掌托起你透支的精神，抚平，延续你连绵的美。但这并不是一部悦人的童话，这是一剂麻醉针，让你闭上眼，迷失在反复的旋律中，忘记眼前那个处在变革的风口浪尖的世界，得到片刻难得的安宁。初听，我甚至听不出开端和结尾的不同，找不到引子，分不出高潮，但也认定这并非索然无味，这是一种“负阴抱阳”的和气，阴阳相克相生，沉郁与悠长相容相伴，如此相得益彰，级进的和谐自然也就是美的了。西方的宗教主流中，与上帝同一和谐是莫大的罪，神人有别，不可逾越。信徒们所追求的同一是把上帝谕旨中典藏的自由作为对象的，他们希望灵魂能够得到上帝自由之音的洗礼，这种幻象和古中国对自然之天地的崇拜异曲同工。在《平沙落雁》的弹拨中，初听，不觉得有背景的伴奏，细听，才发觉，古琴也并非咏叹独吟。七分钟的颤拨中到处都是声音与空气碰撞而生的细小回音，到处都是指尖与琴弦摩擦而生的细碎的叽叽喳喳。这些痒酥酥的音，浸透皮肤的缝隙，探听你的情绪，在平和的旋律中扎上几颗细小的银针，没有切肤之痛，却利用中医的经络之道压制着你原本起伏不定的心情。这些存在于乐谱之外的音并不是和气的反叛者，反倒是功臣。他们打破古琴圆润悠然的完美，用枯叶飘零般有意的瑕疵去营造鸿雁休憩与叶为伴的无意的融合。
G弦划过指肚的时候没有A弦那样切肤，不像D弦那般尖锐，也不像E弦那样平滑，它的粗细就像是一个半百的人，在命运已定的时候又保留一丝不甘的倔强。有幸摸过几年的小提琴，对于少年的自己来说，G弦绝对是个敌人，它的坚硬厚实和粗纱的触感无时无刻不折磨着我细软的指肚，把握它，总是需要更大的力，在把位间滑动更是一件叫苦不迭的事。那时的我根本来不懂G弦的岁月深沉，更听不出咏叹调的低潜长吟，感受到的只有自己浅薄的伤痛，想来，放弃琴弓是对的，那时勉强地继续也只会破坏音乐这个纯正的世界吧。如今再看乐谱，满篇平滑的连接线，就像京剧花旦的令人心生怜爱的眉眼，勾画着巴赫生命里难得的一份柔情。四拍半满弓的E渐强开篇，两拍满弓的C减弱结束，曲子就这样流畅的开始又流畅的结束，没有顿卒急停，也没有频繁短促的换弓，G弦上的每一个音符都被拉进了一个整体的韵调里，听来，完全察觉不到把位转换的突兀，流畅的浑然一体。但是这种流畅并不是流浪艺人的无拘无束，自由放荡，而有一种渐入佳境的凝聚感。像是祈福路上的信徒，他们可能居无定所，或许孤独无依，或是逃避现实，也会陷入怀疑和自责，但是他们从未停下攀爬通天塔的脚步，正如巴赫追求创作教堂音乐的理想一样，上帝的信徒们一直在去往耶路撒冷的路上，不是因为有希望才坚持，而是因为坚持才有希望。流畅的曲线环环相接便是个圆，圈住了欲望，抑制着人性，圈里的信徒看到的是一个完美圆滑的天堂，圈外的人看到的是一道宗教禁欲的魔咒。巴赫仰望的路德教崇尚复活的时间观，与佛教轮回的圈相同的是，他们都是延续的，永恒的，现世只不过是一个点，自由是无需停顿的。提琴如线，以环绕的方式有序地纵横交错着，促成了一幅达芬奇密码，韵律背后蕴藏着数学语言难以解释的奥妙。与西方弦乐不同的是中国的弦乐以弹拨为主，平缓地弹拨总给人以一顿一顿地即逝感，古琴七弦间的流畅不是靠平滑的连接线，而是靠那余音绕梁惹人深思的留白。一音未平一音又起，秋风抚琴，轻柔的回声在指尖的揉弦中丝丝入扣，脑海中不禁浮现着水袖空舞的姿态，一挥一收，人已停，袖在舞。如果说咏叹调是信徒对上帝柔情地诉说，那么平沙落雁就是文人墨客对大道无痕的眷顾。入仕为官心系苍生的文人总会被权力的争斗所刺痛，转而追求一种内心的至善致远，那一声声弹拨就像是兼济的壮志，而那余音的唏嘘就像是冥想自省，他们在一进一退中继续着，寻到心无旁骛的至高境界就是属于他们的上帝自由之音。点是构成面的基本单位，古琴的颤动以点状的方式铺展开来，绘成了一副神算的棋局，音律之上悬挂着逻辑思辨的明灯。
“神说，诸水之间要有空气，将水分为上下。”上帝在光之后创造了水，光是现实开始的希望，水是希望开启的现实，光是咏叹背后追求自由的精神，水是此刻流泻着的音乐。提琴的咏叹是一条涓流，它没有滋润高原雪莲的冰洁，没有哺育沙漠绿洲的珍稀，也没有翻越瀑布小山的勇敢，它是一个平凡的生命，代表着我们大同小异的人生。弗洛伊德说：“一切都不会是巧合。”人生总是存在一条婴儿时期就埋伏好的主旋律，就像是咏叹调里诸多短小音符前领衔的那个音符一样，它营造的温度决定着整个小节的听感。同理，人生中一系列细碎事情都取决于你在其中领衔的态度，态度如水，顺则舒适向下，逆则迎难而上。这流水的咏叹不仅隐射着我们渺小的人生，也描摹着一个轻盈的自然。以亚里士多德为代表的自然哲学对自然的解读，精华在于“最初”和“生长”二字。“最初”，万物是其所是之根源，正如老子所论的“一”，在咏叹调的自然之味里，”最初“是巴赫少年时代聆听的马丁·路德，也是那些年遭受的欺辱和抛弃，是崇尚生命平等、灵魂自由的唱诗，也是目睹死亡的恐惧和无措，他追求完美的偏执正来源于这最初的心理矛盾。”生长“意味着变化，意味着达尔文所说的物竞天择适者生存，意味着咏叹调所伴随的最初的矛盾会有所改变，这些改变正是由那些细小婉转的音符构成的，它们流转反复，就好像是一个个寻找矛盾出口的人，出走，迷失，回归，一次次的，获得成长。古琴的叮咚是青竹叶滴下的露水，落入湖中，泛起的涟漪像是女子的梨涡，传来一波波轻柔的美；落于石上，溅起的水花又像挥毫泼墨的贤人，抒发着滴水穿石的壮志。滴水同样代表着我们大同小异的人生，但是水滴的”最初'与涓流不同，它并非生命最初各异的独特经历，而是一种融合，是老庄之道所讲的和气。古琴的滴水声不可能安然地独立存在于自然，一滴水听上去更像是钟鸣，警示着人们寻找归属的重要意义，传统的落叶归根，安土重迁都是融于团体的例证。古琴滴水声的“生长”无疑是种凝聚，当两三音符共鸣的时候，你会听到一种坚定，会感受到一种空气共振的力量。昨天，我偶然听到卡拉扬金色大厅版的巴赫的G弦上的咏叹调。虽然小时候也无数次听爸爸放过，旋律熟悉的可以唱出来。现在，经过18岁的那场磨难，经过康复的艰难，再听这段旋律，感觉，一切都不一样了。
那是一种暴风雨过后的宁静，大雨冲刷过一切泥污，空气清新清透，彩虹慢慢显露，鸟儿叽叽喳喳的冒出头，一切都在缓缓的复苏。我看到一位圣洁的女神，拖着长长的白纱裙尾，沿着长长的台阶缓步而来，带着光明和幸福。
我发朋友圈，说，有谁能理解这首曲子的意境。
今早，我走进公司，东边的窗帘全部打开，金色的阳光斜斜的照进来。一条甬道全部被光明照亮。我慢慢走进来，听着巴赫的G弦上的咏叹调。那种感觉强烈起来，音乐和这情景应和着，我感觉我被圣洁的光明包围了。啊，愿我的内心如这音乐一般宁静而神圣！