挑战性与典范性的演绎兼备

文 | 张可驹

上次听钢琴家李坚的现场，还是2020年以前的事。彼时贝多芬年即将到来，这位钢琴家推出了贝多芬奏鸣曲全集的独奏会安排，这个系列进行到一半就突然被中断了。今年6月4日，李坚在上海交响乐团主厅开了一场独奏会，曲目以浪漫派作品为主。他的演奏带给人无限回味。

李坚对不少作品的处理未必传统，也许你会不认同他的观点，却还是应当去理解这些观点。因为这些演绎的风格与视角，都是在一个严谨的基础上加以呈现。表现贝多芬奏鸣曲时，李坚有时将气息稍稍放长，赋予旋律线条更多抒情性的面貌，处理浪漫派杰作却又特别从结构层面入手，弹出一种省思的特质。不过，6月4日的演出也并非尽是浪漫派作品。钢琴家以两首斯卡拉蒂的奏鸣曲开场，之后是李斯特《b小调奏鸣曲》，下半场是一组肖邦的乐曲，再加上德彪西的《梦幻曲》。那样的内省思路一以贯之，仅斯卡拉蒂除外。

独特的观点是一方面，李坚的演奏首先吸引我的，其实是他的技巧风格。钢琴家追求一种透彻而颇具透明度的触键，由此再磨炼出种种色彩，音响的层次分明，声部线条的表现有立体感。同时，钢琴家对踏板的运用很得法，从来只是色彩的考量而不会干扰结构的清晰。这样一来，你或许不会感到陌生，因为如此对于声音和结构的表现，确实是比较老派的。而在此基础之上，李坚并不很拘泥作品的“时代风格”。正如在斯卡拉蒂的作品中，他保持着发音的精致，却不介意将旋律线弹得稍微“连”一些，呈现浪漫的歌唱效果。

李斯特奏鸣曲是整场的核心曲目。此曲虽然效果华丽，高度戏剧化，音乐发展的核心却深深根植于严谨的主题变化。不少钢琴家追求外在效果，却忽略内在的结构脉络。李坚的演奏却相反，完全是以一种结构性的探索为核心，将不同素材的形象都做出细致地展现，与之相伴的是较为宽广的速度。乍听之下，钢琴家是刻意放慢，稍后却会发现他的确是需要那个空间去承载弹出的内容。

从同一动机延伸出的不同素材，从它们各自的形象到展开变化的脉络，再到各部分彼此衔接的文理发展，李坚都做出一番详尽的梳理。而演奏的整体脉动，又被控制在一个宽大而不涣散的范围之内。在这里，钢琴家展现前述那样明亮通透的音色，虽不是管弦乐式的气魄，却也是有深度的音响品味。但为何演奏依旧让我感觉略有保留？一方面是由于演奏者如此“思想性”的角度，固然在结构审视与气息控制上都展现了水平，但说实话跟着他思考下来我有点累。李斯特原作高度戏剧化的光辉，常常隐匿至观察发展的视角背后。

同时，钢琴家对于技巧的刺激性表现得略保守，有时反不及他的贝多芬。李坚虽长期投身教学，技巧的完整性却保持得出色，这也是他表现贝多芬的重要魅力。但此时的李斯特，某些细节却不如钢琴家弹贝多芬时那么犀利。或许，该作原本就是半小时连续演奏的规模，深入梳理之下，时间又被拉长，对演奏家持续力的考验更高了很多。因此对于局部，也会有点掣肘。锤炼出一种完整的诠释观点实有其价值，希望钢琴家在未来的音乐会中继续完善该作的演绎。

下半场的肖邦作品，就可说是延续先前结构解析的优点，而在细节与整体风格方面展现更多魅力。篇幅长大的《波罗乃兹幻想曲》是很难演好的作品，它是肖邦的后期创作，波罗乃兹的节奏被融于音乐在当时看来几乎有些“意识流”的发展。李坚对于发展脉络的捕捉，对于长气息的得心应手，及琢磨音符品质以呈现结构之深度的用心，在此都显得恰如其分。尤其是最后一方面，当演绎者对不同音符的质感、层次都有考量，它们彼此呼应的效果，自然使听者看到深层的结构之妙。在这里，李坚对某些乐句跑动之中，音符清晰性的表现也更胜上半场的李斯特。

处理肖邦的玛祖卡，钢琴家不刻意强调节奏的摇曳感，而是在均衡的律动之中求鲜活。《C大调玛祖卡》（Op.24 No.2）的演奏，可说是对自由速度的用法进行了一次出色示范——在稳固的节奏背景下，旋律的“弹性”相当引人注目，却又不是大幅摇摆，而是在精简的尺寸中表现了很多。《c小调夜曲》（Op.48 No.1）的精彩程度也相仿，这样的Ruabto没有品味的歪曲，而是真正弹出了演绎者的观点、个性。正如席夫所说，自由速度的用法本身有一定之规，但如果仅仅是符合就用，那也是一种套路。李坚在此，于框架之中表现个性，其个性演绎又有品位，因此才真正有示范性的价值。也希望他的学生能多学这一点，而不要倾向于目前很多在变化中乱扭一气的弹法。

下半场意想不到的惊喜来自德彪西的《梦幻曲》，钢琴家将声部弹得十分透彻，继而在立体的音响结构中，划分非常细腻的色彩层次。音色的渲染同分明的结构相交融，句法又那么得体，实为手指技巧、踏板与品味共同到达一个高度，方才能够呈现的杰出演奏。