《色彩艺术》读书笔记-西方大师色彩
目前绘画的学习出现急功近利的现象，比如学水彩的只知道水彩界颇有声誉的名师，却不知道专业中更著名的大师画家。 达芬奇曾说“能够到源头取水的人绝不喝杯中之水”。《易经》中强调“取法乎上”的学习态度是一个道理。因为“杯中水”肯定没有源头水源那么纯净，取其上得其中，取其中得其下。
读到序时，伊顿概括了西方艺术史的重要色彩发展演变过程。这些对于很多绘画爱好者，可以很简明扼要的了解一些重要的画家和流派。我花了近三个小时相应在网络上找出这些重要画家的作品结合伊顿的文字，这样能给大家一个直观的感受，而我也再一次的复习，自己也受益良多。
阅读提示：
伊顿以下谈论的色彩发展，可以总结为三个重要历史时期：
一：色彩的“说明性”时期，体现色彩的原始观念中，以固有色认识世界，色彩起着说明与象征的意义；
二：“明暗色调”的表现时期，体现在文艺复兴以来色彩的观念中，色彩的表达附属于明暗的塑造法则来应用；
三：色彩的“纯粹运用”时期，体现在印象派以后确立的色彩表现观念中，色彩作为独立的语言被解放出来。与素描不同，色彩有明确的观念演进历程。
十五世纪上半叶，凡.爱克兄弟在固有色方面开始形成了风格，固有色通过模糊与鲜明、明亮与阴暗的调子，创造出了非常接近于自然的现实主义形象。《根特祭坛画》
哥特时期中的第一幅肖像画《阿诺非尼夫妇像》
弗兰西斯加用鲜艳的轮廓线和清晰的富有表现力的色域画出富于个性的人物，并使用平衡的互补色彩。
达.芬奇反对强烈的对比的着色方法。他用及细微的色调层次作画，在《洞穴圣母》一画中，他把色彩安排成二大色域。
《圣杰罗姆》《礼拜》下面这两幅画，整个就是用乌贼墨颜色的明暗色调构成的。
《圣杰罗姆》局部
提香早期作品中，将同种色域安排在相互对抗的孤立状态中。后来他将这样的色域处理成冷暖、明暗、模糊与强烈的转换，作品《贝拉》一画中表现得最为明显。
他晚期的作品用一种主要色相和许多不同的明暗色调烘托出客观的物体。如《戴荆冕的耶稣像》
提香的学生埃尔.格列柯，他将老师的多色调拉回富有与表现的大色域。他那种奇特的，常常是令人毛骨悚然的色彩表演不再是固有色，而是抽象概括，以适应在精神上富有表现力的主题要求。他也是看作非写实派一位前辈的原因。他的色域并不指明客观物体的类别，他被组织到纯粹的、画面的多旋律色调之中。
比他早一个世纪的格吕内瓦尔德早已解决了这个问题，凡是格列柯一向用灰色和黑色色调来突出并附有特色地描画阴影的地方，格吕内瓦尔德就用色彩对比来处理。通过客观的对色彩的掌握，他为每个作品主题找到了适当的色彩。《耶稣复活与变容》
格吕内瓦尔德为求主题艺术真实，从整体上牺牲了祭坛画的装饰性统一。为了做到真实与客观，他将自己置身于学者的规范之外。然而，他的色彩的心理表现力，色彩的象征性真实和现实主义含意：即色彩时候具有的三种潜力，都以一种更深刻的意义融合成为一个整体。
伦勃朗被认为是明暗对照法画家典范，与前面几位不同，他觉得色彩是一种浓密的物质。他用灰色、蓝色或黄色、红色的透明色调，创造了一种具有显著美化了自身生命的深度效果。他用蛋白同油画颜料调在一起作画，取得了一种散发着异常感人的现实主义质感效果《戴金盔的人》
在他的作品中，色彩变成了物质化的发光能，具有令人感奋的力量。纯色在模糊的环境中像宝石那样闪光。
埃尔.格列柯和伦勃朗使我们进而想到巴洛克色彩的问题，它不是用来表现客观物体，而是用作韵律链接的一种抽象手段。说到底，色彩是用来帮助创造深度幻觉的。
在罗马帝国和古典主义时期的艺术中，着色局限在黑、白、灰三种，为了便画面生动，也有节制地便用少数几种彩色。这种风格产生一种现实主义的严谨效果，尔后被浪漫主义所替代。绘画中的浪漫主义是由英国的透纳（1775-1851）和康斯太布尔（1776-1837）开始的。
透纳作品：
康斯太布尔作品：
在德国，浪漫主义最伟大的代表是弗里德里希作品：
奥托.龙格作品：
这些画家把色彩用作心灵表现的一种手段，以便在风景画中表现情绪。例如，康斯太布尔不愿将纯一的绿色用于油画，而把它分解成明暗、冷暖、模糊与鲜明色调的瞬间层次变化。这样就使色域变得细微生动。透纳创作了一些非写实性的色彩构图，这样就使人们有理由将他列为欧洲画家中第一位“抽象派画家”。德拉克洛瓦在伦敦时看到了透纳和康斯太布尔的作品。他们的善于用色使他深感兴趣。他回国后，便按照他们的精神对他的某些作品重新加工，从而在1820年的巴黎沙龙展览会上引起轰动。
德拉克洛瓦作品：
德拉克洛瓦生前一直积极地关心色彩的问题和原理。对色彩理论的普遍兴趣在十九世纪早期就风靡一时了。1810年龙格发表了他的色彩理论，用球体表示对应的色彩系统。歌德论色彩的主要著作也出现在1810年。1816年叔本华发表了他的论文《论视觉与色彩》。巴黎戈贝兰工厂经理化学家谢弗勒尔（1786-1889）于1839年发表了他的《论色彩的同时对比规律与物体固有色的相互配合》一书。这部作品后来成了印象派及新印象派绘画的科学基础。对大自然的充分研究导致印象派家们达到一个完全新的色彩表现阶段。对于能改变自然物体固有色调的阳光进行的研究，和对风景画气氛环境中光线的研究，给印象派画家们提供了新的基本模式。
莫奈认真地探索了这些现象，在一天的各个时辰里，都用一块新的画布来再现同一个风景画面，以便将太阳的移动和随之发生的反射以及光色变化结果真实地反映出来。他画的教堂是这种变化过程的最好体现，这些画现在陈列在巴黎网球场博物馆。
莫奈作品：
新印象派画家们将色域变成色点。他们认为调合的颜料会破坏色彩的力量。这些纯度色彩的点子只有在观画者的眼睛里才会调合起来。谢弗勒尔的色彩理论给予印象派画家们以显著的帮助。
转折线
从印象派的观念出发，塞尚使色彩结构的发展达到逻辑的阶段。他的任务是使印象主义形成某种“实质性”的东西，他的作品就是根据形状和着色原理而创作的。他除了对节奏与形体有所贡献外，在色彩上也摒弃了点彩派的分色技巧，重新使用内在调节的连续色域。对他来说，转换一种色彩意味着变化它的冷暖、明暗或模糊与强烈的关系。整幅画面色域的这种调节转换就达到了一种新的、生动的和谐。
塞尚作品：
提香和伦勃朗曾经对他们的人物面部和形体的色彩转调感到满意，塞尚则是使他的整个画面从形状上、节奏上和色彩上融合一致。
在静物画《苹果与桔子》中，这种新的融合就表现得极为明显。塞尚希望将自然物体塑造到更高的水平。为了做到这点，他使用了具有微妙的音乐效果的冷暖对比。塞尚以及他之后的勃纳尔的某些作品就是完全按照物象的冷暖色调为主题来构图的。
马蒂斯抑制色彩转调，重新以主观的平衡来表现简单的、发光的色域。他和勃拉克、德兰和弗拉芒克一起称为野兽派画家。
马蒂斯作品：
勃拉克作品：
德兰作品：
弗拉芒克作品：
立方主义画家，包括毕加索、勃拉克和格里斯等人，将色彩用于他们的明暗色调变化上。他们首先是对形体感兴趣。他们将客观物体的形状分解成抽象的几何体形状，用色调的浓淡层次取得浮雕似的效果。
毕加索作品：
格里斯作品：
勃拉克作品：
表现主义画家，包括蒙克、凯尔希纳、海格尔、诺尔德和青骑士派画家康定斯基、马克、迈克、克利等，都是试图给绘画恢复精神内容的。他们的创作目的是想用形状和色彩的手段来表瑰内心的和精神的体验。
蒙克作品：
凯尔希纳作品：
诺尔德作品：
克利作品：
康定斯基约在1908年开始创作非写实派的图画,他强烈主张，每种色彩都有它自己恰当的表瑰价值，所以就可能在不画出物体的情况下创造出有意义的真实。阿道夫.赫尔策尔成为斯图加特一群年轻画家的中心，他们聆听他的色彩理论讲演，这些理论都是以歌德、叔本华和贝措尔德的发观为基础的。
康定斯基作品：
1913年至1917年间，在欧洲各个不同地区，艺术家都在分别创造一些作品，这些作品不妨用“具体艺术”这一名称加以概括。他们中间有库普卡、德楼内、马勒维奇、伊顿、阿尔普，蒙德里安和范东格洛等人。他们的绘画表现了非写实主义，通常是用几何体形状和单纯的光谱色来充当真实的物体，可用理智领悟的形状和色彩，成为能够创作清楚的画面的可能手段。
库普卡作品：
马勒维奇作品：
此后，蒙德里安又作出进一步的贡献。他使用纯度的黄色、红色和蓝色，就象用一块块重物那样，来建造图画，它们的形状和色彩在静止平衡效果中相一致。他的目标既不是追求暧昧的表现，也不是理智上的象征主义，而是追求真实的、视觉上明确的、具体而和谐的图形。
蒙德里安作品：
超现实主义画家，包括马克斯.恩斯特、萨尔瓦多.达利和其他人等，将色彩用作实现他们的“非现实”图画的表现手段。至于塔希主义画家，他们在色彩和形状上都是“异常者”。
恩斯特作品：
达利作品：
完毕，希望能对你有所启示，请谈谈你对这些艺术派别和作品的看法，你最喜欢哪个流派的风格作品呢？点下方“写评论”留言。（文字表达对于自己的总结能力和逻辑思维起到至关重要的作用，我相信很多人看了作品感觉挺好，但就是说不出来好在哪里，这就是平常没有刻意的训练这块的能力）希望我能带动你一起，重新拾起绘画、阅读、写笔记的习惯，希望你加入我的朋友圈，跟我一起进步。
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