中国山水画不主张“对景写生”，重视“游山感悟”，内在原因何在

导言：中国山水画不像西方绘画那样，带着写生夹或油画箱蹲在大山里，一坐就是一整天，对自然山川的外在形象一五一十的忠实描摹。中国山水画家，非常重视“游山感悟”，不主张“对景写生”。其内在的根源何在？其背后到底隐藏什么底层逻辑？本文对此作一简单探讨，欢迎有识之士批评指正！

关键词：山水画；对景写生；用笔；笔墨；游山感悟；

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赵伯驹《江山秋色图》00001

一、什么叫“对景写生”？有何特点？

所谓的“对景写生”，是相对中国山水画的“游山感悟”而言的。是指画家为了收集创作素材，带上画夹到野外，寻找一个理想的观察角度，固定下来，对着眼前的景物一五一十的描摹，注重的是透视比例以及物象的明暗和色彩的变化。

特点：视角固定，构图采用焦点透视，注重光影等。

赵伯驹《江山秋色图》00002

二、中国山水画为何不主张“对景写生”？重视“游山感悟”？

中国山水画是写心的，是畅神的，主张借助笔墨抒写心中块垒，达到畅神的目的。这就要求，不能照搬自然，全凭大脑记忆挥写。所画的东西，是经过大脑第二次加工提炼后付诸笔下。因此，不主张“对景写生”而重视“游山感悟”。

中国山水画讲究散点透视，视角不是固定不变的，而是一种移动视点。把古人的长卷山水画，从中任意截取一个画面，都能构成一幅独立完整的山水画。西方绘画则不是这样，任意截取的一部分，可能就支离破碎了，不能独立成画了。因此，中国山水画要求画家头脑中必须得有成熟清晰的连续图像，在正式作画的时候，全凭记忆和感觉创作。这样画出来的画，用笔才会干脆果断，气势雄强，才能自由挥写心中块垒，从而达到畅神的目的。

王希孟《千里江山图》局部

而要达到这样的自由挥写境界，平时就得多到名山大川去“游山感悟”。把一些能打动自己的奇特景象，草草勾写在自己随身携带的本子上，从而加强自己山石和林木的形象储备，便于实际创作时随时浮现于眼前，无须到处去寻找参考粉本。

在游山感悟的过程中，中国山水画家从来不关心物象的外在形象，重视的是其内在生发之理，尤其重视那些能与人产生一定联想的物象。如松树与一般杂树可以联想为君子和小人，山间泉水可以联想人之血脉，林木可以联想为人之毛发等等。

山水画家在游山感悟的过程中，把自己融入自然万物，悉心体悟山川草木之勃勃生机，宇宙天地之苍茫浑厚，从而涵养自身的浩然之气，提升自己内在的底气和人生格局。

王希孟《千里江山图》局部

三、 “对景写生”的局限性简析。

1、“对景写生”容易导致思维僵化慵懒，不愿意深入思考物象内在的本质联系。

2、“对景写生”容易被外在物象所束缚，很难达到畅神和写心的自由境界；

3、“对景写生”不利于对画家笔墨的锤炼，导致笔墨工夫不足。

中国山水画创作之所以不主张“对景写生”，源于“对景写生”的诸多局限性，不利于画家性情和绘画理念的抒发。而“游山感悟”则能涵养画家内在浩然之气，增强自己的创作灵感和创作欲望。

石涛册页山水

石涛册页山水

三、结语。

总而言之，中国山水画从不主张“对景写生”，重视“游山感悟”，其底层密码在于山水画的终极目的是写心和畅神的。“对景写生”的诸多局限性，限制了写心和畅神的终极目的，反而“游山感悟”则有助于写心和畅神，增强创作灵感和创作欲望。因此，真正有志于山水画的人士，请减少“对景写生”，多到名山大川中去“游山感悟”，这对你的自由创作是极其有效的。