《海盗》
香港芭蕾舞团舞蹈演员
摄影：Conrad Dy-Liacco
图片由香港芭蕾舞团提供
人家可是有着几十年历史的正经舞团，是亚洲最优秀的古典芭蕾舞团之一，曾经还获得过贝诺瓦芭蕾舞大奖两项提名。他们的舞蹈理念就是要“跳出框框”，让芭蕾舞走向民间。通过一系列视觉元素的运用，这项有着四百年历史的古典艺术重新迸发出新的生命力。
色彩是最抓人眼球的。
当我们走进一个空间时，视觉印象占据我们第一印象的85%-90%，而这其中有70%是由色彩决定的。
可能有人认为色彩在作品上的体现只是一种纯粹的美学选择，但是，为什么有的色彩格外不同，有的颜色更加深邃，有的颜色更加隽永？色调、明暗、搭配次序……这些都影响着色彩的视觉呈现。承袭自路易十四时代的古典审美，芭蕾舞服饰一直以纯色为主，即便在舞裙上做出了一些花样，但舞者的整体造型仍然是简约素雅。“TUTU裙（即经典芭蕾舞裙）发展了这么多年，其制作工艺及方法，都没有什么变化。”——澳大利亚国家芭蕾舞团法国巴黎歌剧院芭蕾舞团就将这种古典美做到了极致，对古典传统的坚守让它被誉为世界芭蕾的摇篮。法国巴黎歌剧院芭蕾舞团首席Ludmila Pagliero但是港芭则打破传统，在舞团成立40周年之际，他们推出了一只创意视频。为了加强视觉冲击，舞团大胆采用了马卡龙撞色，芭蕾舞者们在香港的篮球场、码头、游轮、茶餐厅一一上演精彩的芭蕾技艺，第一眼就牢牢抓住了目光。明度，色相、纯度是色彩三要素，这三者决定了色彩的面貌和性质。纯度指颜色中所含有色成分的比例，纯度越高颜色越正，越容易辨认。从左至右，纯度由高到低。比如克莱因蓝，作为法国上世纪50至60年代前卫艺术的代表人物。伊夫·克莱因的单色画主要使用三种颜色——蓝色、粉红色和金色，而最为人熟知的就是他以自己姓氏注册的“克莱因蓝”。他以一种精确到RGB比值为“0:47:147”的蓝色打开了欧洲艺术殿堂的大门。这种高纯度的蓝被誉为理想之蓝、绝对之蓝，英国皇室就尤其钟爱。而明度指的是色彩的明亮程度，从左至右明度由高到低。一般来说，高明度碰上高纯度，虽然视觉冲击力会很强，但搭配起来却很容易流于艳俗。所以在这种时候，对于各种颜色的占比把握就格外重要。火极一时的“故宫色”，虽然使用了高反差撞色，但不同颜色用的纯度和明度却是相似的，这个原理就能保证整体视觉效果协调统一，避免杂乱，浓而不艳。不同于莫兰迪色的灰度，马卡龙色饱和度更高，就像马卡龙饼干在味蕾迸发出的甜蜜，这种配色给人的第一印象就是明亮活泼。虽然马卡龙色的反差和饱和度较高，但多选用的是互补色和对比色的搭配。同时整体的明度也保持在了一个水平，两相中和就不会显得凌乱。比如这种黄色和蓝绿色的搭配，降低饱和度的同时配上邻近色黄色，就能提高整体的亮度。十九世纪德国心理学家费希纳认为: “美是复杂中的秩序。”在舞台上，表演者一连串的舞蹈动作和不同的人物、布景、道具以及其他舞美组成一定的舞蹈画面。在舞蹈画面的不断变化中，将舞蹈的意境用舞蹈独特的语言展现出来。“均衡”、“匀称”、“整齐”就是舞蹈构图的审美习惯。芭蕾本身就是极其严谨的，四肢都有规定的路线，两肩两胯必须放正，从身体中心向外“展开”，用延伸的舞姿占领更多的空间。作为芭蕾史上的不朽经典，《天鹅湖》无疑是这种秩序美的最佳呈现，优美的编舞配上经典的音乐，娓娓道出了悲伤又动人的爱情。香港芭蕾舞团的这版《天鹅湖》更是被评价为"剧力万均、极尽浪漫、引人入胜"的经典版本。天鹅们精巧细致的群舞整齐划一，充满神秘魔幻的色彩。这种舞台设计其实也是承袭自形式美法则，“从视觉上是匀称之美，从构图上是平衡之美，从心理感觉上是和谐之美”。人物处于画面轴心，简化了其他可能会分散注意力的元素，确保了视线的集中。这种构图的平衡可以引发观众对画面中事件动作的期待，同时保持画面的连贯和稳定。比如著名的“韦氏美学”，在《布达佩斯大饭店》中，韦斯安德森把这种对称用到了极致。每一个镜头都是黄金分割，人物的走位与空间形成了一种有序、和谐的美学关系，使人物与空间的联系疏离又紧密。古斯塔夫在监狱里朗诵诗歌，身后的狱警和囚犯整齐的坐成两排，整个画面呈现出一种亦庄亦谐的幽默感。门童和女朋友在粉红色的糕点盒海洋里经历了劫后余生，在险象环生的追杀和枪战中为影片增添了一丝甜蜜和浪漫。不管你是把这种设计当作一种品位、一种癖好，还是简单地归结为“完美主义者”那无可救药的强迫症。它的作用却是显而易见的——稳定、均衡、各元素之间互相呼应的画面会给人扑面而来的视觉舒适感。不过，这种舞台设计虽然观感舒适，但却仍然停留在舞台的二维布景与人物形象表面的视觉效果上。尤其是对年轻人来说，他们追求的是动感十足、色彩绚烂的视觉体验。在观赏演出时，不仅重视表演者的功力，而且开始关注舞台视觉形象是否具有观赏性。在《爱丽丝梦游仙境》中，港芭就一反传统，采用时尚又富有视觉冲击的服饰，大胆创新的舞台布景。将Lewis Carroll这部家喻户晓的作品，以离经叛道的方式重新演绎，变成好玩过瘾、适合所有年龄观众的作品。值得一提的是，它的音乐也是为专门港芭度身的原创，由香港城市室内乐团现场伴奏。音乐、服装、布景，三者的相互配合，不仅使整个画面的风格更加突出，观众也能够更好地理解舞者的表演，精心的设计达到了一种最佳的视觉效果。芭蕾舞剧以肢体动作为主要表现手段，不管是服装还是布景，都是为肢体表达服务，因此，对身体的关注是整个芭蕾舞的焦点。伴随着消费文化的兴起，人们也更加重视时尚、潮流和技术以及因此带来的视觉观念，对身体形态之美的关注更是超出了以往任何时代。舞蹈中的肢体动作不但给人以视觉的享受，用动态的语言感染观众，更重要的是能引起观众的思考和情感的共鸣。力量的“收紧”和“放松”是互相依赖，共同存在的，正如提沉与自然呼吸的关系一样，提（收紧）与沉（放松）缺一不可。只做“提”或者只做“沉”，都会打破动作的自然规律，也就也谈不上什么动作流畅、连贯。受限于舞台的空间面积，留给肢体语言的表达空间其实是有限的。从2018到2021年间，舞团所有的视觉创意，都是与香港这座城市的互动。在2018/19舞季的品牌宣传照中，港芭以中国红为主色调，把芭蕾舞带到室外，从寺庙、居民楼，再到港式茶餐厅、维多利亚港。在这些场景面前，舞者如同一抹点睛之笔，以身躯勾勒线条，给这些香港特色的景致注入活力与动感。
借用视觉创意，不仅让芭蕾的肢体动作更具实感，同时，舞者的身躯姿态与空间对比交融，更能给予观者震撼。就像香港芭蕾舞团奉行的价值一样，“敢于想像，跳出框框”，即便是诞生了四百年的芭蕾舞也能通过多样的元素“潮”出天际。
