走近课堂｜一个形象的三十二种刻法
课程简介：“三十二刻”是中央美术学院版画系第三工作室的主干课程，自王华祥教授创办至今已有二十多年的历史。该课程通过木刻手法，也就是一个形象的不同刻法，让学生在四周之内掌握现代艺术中的形式语言，学会如何从模仿者变成创造者，建立属于自己的、独一无二的个人风格。我们的教学依托于西方美术史的发展规律，力图从艺术本体破解创造力是如何诞生的，为学生提供一个清晰的艺术创作思路。
任课教师：王华祥、李军
文字记录：李军
第一讲
作为中央美术学院版画系成功的教学案例，“三十二刻”让很多学生受益，他们创造的形式语言令人耳目一新。在短时间内，他们从模仿型的学生变成创造型的学生，这区别于任何工作室、学院的教学。在艺术纷繁复杂的今天，此类带有思维逻辑的作品也更具观念性和冲击力。利用同一个形象进行推演，在美术史上是常有的现象，很多现代主义大师都用此方法进行自我训练。比如:毕加索。
王华祥老师（后简称“王老师”）：毕加索是一位非常有创造力的伟大艺术家，我们可以通过“公牛”素描知晓他的创作思路：依据简化原则，从自然的“牛”到抽象的“牛”，这种变化就是现代艺术家的一种形式训练，慢慢形成自己的语言风格。这就是“三十二刻”的要教给大家的方法，因为在画什么之前，我们先要知道自己怎么画才能和别人不一样，怎么画才能体现个人的语言特点。经过这2周的训练，大家都有显著成效。
毕加索 《公牛》
类似的画家还有梵高、莫兰迪等等。这些共性证明:“三十二刻”在形式语言的创造上是完全正确的，是符合美术史规律的。课程的具体步骤和要求如下:1、先让学生选择一个形象，这个形象来自于现实生活，要和自己有关。2、先从客观、写实开始，手法不限，刀形控制在1-2种，不要预设画面发展。3、要有正确的黑白灰关系。尤其是第一张，它的黑白灰起到关键作用，否则后面的推演将会一错再错。4、要有明确的推演逻辑。也就是每一张画的“变”是建立在前面作品的发展逻辑上。
我们首先要解决是黑白灰问题和推演的逻辑问题。这是第一周的教学计划。
黑白灰问题其实在前面的“黑白转换”中已经解决，在“三十二刻”时，给予必要的提醒即可。特别是黑白灰的概括与归纳。
什么是推演逻辑?每张画之间是有联系的，后面的画是前面的画按照一定的逻辑推演出来的。这里有2个参考点:1、黑白灰的逻辑，黑白变调或者黑白置换。2、刀痕的逻辑。这一步很重要，必须要让学生有一个明确的思维逻辑，不能乱跳。这一周很关键，需要教师全程辅导，逻辑发生错误要及时纠正。学生只有经历切实的实践，才会对逻辑有清晰的认识。
第二周就可以让他们更换形象重新开始，或者延续之前的路线。此时，教师在教学的过程中给予恰当的指导，强调画面的黑白灰意识，运用好黑白转换的知识。
李军老师（后简称“李老师”）：第一周大家都挺迷茫，我力图让同学们把思路弄清楚，把画面逻辑弄明白，此外没有更多干涉。这种训练方式跟他们自己以往的习惯发生了冲突，或者理解有偏差，所以，画面有时候发生跳跃，有时候停滞不前。这里面还有一个原因，就是对木刻用刀没进入状态。但经过第一周的磨合之后，第二周的重新开始，让他们普遍都找到了感觉，逻辑也慢慢清晰了。
王老师：对，有的同学两张画之间没有联系，逻辑混乱，你给我的画面顺序和我推理的顺序不一样，说明你的画不是根据前面发展出来的。画面重复的原因，一个是个人的意志干扰，比如固定的审美，选择前面某张自以为好看的画重现开始；另一个是个人的习惯意志，这就造成画面前后变化的跨度太小。比如我们解放前的艺术是一种风格，解放后的艺术又是另一种风格，彼此都非常稳定。当代艺术也一样，它有一个图示和符号，面貌相同。这是因为我们没有经过形式语言的训练，缺乏创造力。我们以往的训练只有写实，写实是重复的逻辑，不会产生变化，画面无法生长，弄得不好就会出现抄袭。徐冰的木刻就把自己限制在一个逻辑线索里，一块板子不停地往下减，每一张都是独特的。
后面普遍都越来越好了！我否定的是同学们对基本思路的理解出了问题，但每个人的感觉不同，有的东西不能标准化，只要逻辑对就可以。现代主义的伦理观就是：不准模仿、不准像自然、不准像别人、不准像自己。“三十二刻”就是现代主义课程，其他高校没这个课，很多人用写实技法模仿抽象绘画、模仿各种风格，他们不知道创造力怎么来的。很多人搞创作木刻就是画个草图，推敲半天，七分画三分刻，都是设计好的。油画家也是，收集素材，画构图，一定是以过去某种经典为标准，不抄袭是不可能的。所以，“三十二刻”要解决这些问题。
李劲弈：我发现一开始语言不统一，比如身体和背景。然后我重新按照光影逻辑进行下去，慢慢就平面化了。第一张画对照片进行归纳，考虑了黑白灰关系，往后也一直以这个逻辑往下进行。
作品素材
学生作品
王老师：你对灰色、黑色以及对画面的光感、氛围的处理都非常好。为了统一画面，压缩背景、调整色调，逻辑很清楚。你没有太快地进行，在慢慢地变，这是对的！同时，你的直觉起了作用，中间哪些要，哪些不要，这是直觉的、感觉的。也发挥了刀痕的美感，这是笔画不出来的。你已经找到了刀痕的美感，在画面中越来越自觉了。
学生作品（局部）
李老师：她在刻的时候，我就觉得这种刀痕非常好看，让她延续下去。然后她每次都能出现新的刀痕，这是很有意思的。我提醒她在变局部色调的时候一定要协调新出现的刀痕，这样反复推演，画面会越来越非常独特。她对调子的精确性把握得特别好，毕竟木刻只有黑、白两个颜色，难度很大。
王老师：对！传统的写实版画，手法只有一种，比如珂勒惠支，衣服、脸、手都是一种刻法，变的是内容。李桦也是，内容在变，手法不变。大部分版画家都是这样的！这就是传统和现代艺术的区别，传统艺术的变化在草图阶段，目的就是找出一张合适的、正式的稿子；现代画家每张都是草图，每张都是成品，毕加索才会有这么多画。我们传统绘画没有实验性，只有一个结果，把基本功练好，指哪打哪，写实就是唯一。现代艺术要创新、要有变化、每张都是作品，同样的题材不同的风格，和别人不一样，和自己也不一样。但我们也许会有一个麻烦，我们会停不住，受不了不变。我们自己像在挖矿，把自己的潜能挖出来，此时你已经走得很远了，而普通人还在原地模仿，这就是差别！
“三十二刻”对画面逻辑的要求不仅在于让学生推进画面，还在于这样的限制能够让他们激发出超乎想象的应对方式。这种方式会在用刀上出现变化，可能是无意识的，也可能是有意识的。那么，这就考验学生有没有判断力，以及对刀痕的感受力。如果他抓住了，用刀方式就会凸显出来。下面这位同学就很清楚刀痕给她带来的感受。
徐艺苗：我第一周没刻下去，第二周找到了思路，慢慢概括画面中的黑白灰，最后越来越抽象了，在这过程中我非常喜欢细腻的刀法，一直延续了下去。
作品素材
学生作品
李老师：她的思路挺对的，就是有时候对这个逻辑控制得不太好。所以，有两张好像在往回走，像是发现自己走得快了，又重新回去慢慢走。
王老师：我们在做的时候允许有调整，就是对某张画进行最佳画面的探索，不满意就往回走，但这个有点像跳级学习，是最后的阶段，你应该限制自己不往回走。因为，当你回头的时候就是否定了这张画，不要怕出错，只要不一样，这就是好。现代艺术的“不同”就是标准，价值观被塑造出来了。像夏加尔、毕加索、贾科梅蒂，都在打破原来那个传统，寻求不同。我们在这门课中就要玩不同，但简单的不同也很容易，这就需要我们在否定中建立新的语言系统。所以，你必须按照一个方向走，不要回头。我们在变的时候要渐变，不要突变，你是突变之后发现不对，就重新开始了。
就如前面所说，按照逻辑推演两种方法，一个是色调渐变逻辑，让画面整体变亮或者变暗;另一个是色块置换逻辑，对画面色块的位置进行调整。同学们大多都用的第二种方式，这是比较好把握的，而且也能实现不同的变化。但即便大家都懂其中的原理，但仍然会在制作过程中受到干扰，有一部分原因是自己怕出错，怕逻辑不符，所以就想回头去修改。这样就陷入“为了逻辑而逻辑”的陷阱，无法前进。这是大多数初学者容易犯的错误。
黄思颖：我也是一开始没找到逻辑，但是后来也慢慢清楚了。
学生作品
李老师：她起初不知道如何下手，然后开始还找范例模仿，我立刻就给她打住了，让她从自己的画面中找特征，明确哪些是好的东西，如何去延续。最后还是找到了自己的用刀特点，她现在也越来越有兴趣了。
王老师：一开始很乱，这张之后越来越好了，手法也很统一。你的画面特点就是：线的结构还有人物外形都很有力量。有些人刻木刻会用一种设计好的黑白灰和线条，这是传统版画家的方法，但他们对画面本身的黑白灰有基本的判断力，如果不用独特性要求的话，也能成立。我们经过训练就知道，业余的人和你们不一样，深度也不一样。
你的黑白灰都可以，有的地方刻得不太好，比如一整块同一个方向的刀痕。对于抽象 的画面，所有的色块，都是刀的组成部分，或者刀的构成，而不是衬托一个完整的外形。衬托是素描和油画的概念，在表现主义之后，就没有衬托，是画面元素的构成，都是有机的组成部分。刀痕要想自由就必须从立体的形中解放出来，逐渐走向平面，然后就千变万化了。但是平面化要有“根”，也就是你的第一张，如果它没有明确黑白灰设计，到后面就会乱。这就考验你们之前学的黑白转换了，要让黑白灰基本功成为自己的下意识。
学生作品（局部）
还有，我们一定要学会判断，就像开车一样，刚学会开车肯定是慢慢提速，从二三十迈到六七十迈是很大的跨越，八十迈以上就可以上高速了，那你是很慌的。我们画画也一样，只有你自己知道，什么时候提速，什么时候丰富调子，一上来就提速肯定会翻车。画面反复了，不要慌，要自己回到开始的问题，控制车速。好的，画都看完了，同学们有没有要分享的？
李劲奕：我刻的时候会做小构图，大致做一些黑白灰的设计，但刀痕没有设计。变的时候先考虑黑白灰，置换它们的位置，后面就进行刀法上的变化。
王老师：第一，她对黑白灰有设计。第二，她有自己有判断。她用刀是依靠个人直觉，在黑白灰的置换完成之后，就从刀痕上找变化。这个逻辑就非常紧密，不是外在意志对她的要求，先做好前面的理性部分，然后感觉就要求她去变，这个“变”是生长，是内驱力，是逻辑的力量，这时候没有人指挥，也没有监工，是她自己在驾驭画面。
版画家和油画家不一样，油画家（写实）要把眼睛所见画下来，只启动自己的观察，版画家不一样，不是模仿对象，要迅速提炼对象，要翻译黑白语言，是一种思维活动，版画的难度就在这。你做得不顺利，就是第一张画的黑白灰、刀痕没有被转换。“三十二刻”的第一张画很重要，你的错误会遗传，要读懂它的抽象构成，后面才能延续。
我们不要自我捆绑，不要隔绝自己，不然画面就无法得到释放。置换调整只是起点，不是终点，在刻的过程中只听自己的感觉。这是绘画不同于设计的地方，设计有一个终点，我们没有目的地，不知道会怎么样。如果一直把它当作置换游戏，画面就变得可控了，你就知道会怎样，就感觉无趣、没动力。在刻的过程中，你要问自己是不是有解放、释放的感觉，这是一种内驱力，画面就会带着你走，而不是你的意志带着你走。你的意志是第一步，就是设计黑白灰，做好规划和置换，但往下就要凭借感觉了，这是一种可能性，不是你设计好的，它是开放的。
李老师：对，很多刀痕都是你们在刻的时候自然出现的，看起来是无意识的，但这些可能性是非常宝贵的，也是你们创造力的来源。我多次强调大家在刻的时候先把最基本的逻辑弄清楚，这个逻辑是理性的，也就是王老师说的黑白灰设计、布局、置换，同样也要调动你在刻制过程中的感觉，到底是什么打动了你，是什么在勾着你。理性和感性的碰撞在“三十二刻”中体现的最明显。
王老师：大家要明白为什么要上这个课。我们要成为一个好画家，一定要有原创能力，这门课就是训练你的形式原创力，具体要训练多长时间，你自己的去衡量，不要学完就还给老师了。通过这门课你就成“老版画家”了，对木刻来说你是内行了，几周的训练就让同学们变化很大。
这节课我们对学生的前两周作业做了集中讨论，关键问题有三个:1、画面的逻辑。2、黑白灰的布置。3、刀痕的感觉性。后面两周的教学将集中解决这些问题。
第二讲
在上一节课中，我们讲到了画面逻辑，也就是在“三十二刻”刚开始的时候，一定要把握好黑白灰的布局和构成，并在下一张运用置换方法进行推演。同时，也要在刻制过程中发挥直觉作用，这样就能让我们的个性展现出来。但一定要做好画面的统一，把握好理性和感性的平衡。本次课程离上回讲解已有2周时间，为期4周的“三十二刻”即将结束，我们又会遇到哪些新问题呢？
下面这位同学之前有过逻辑错误，在刻的过程中因想修正“走得快”的问题而刻意地往回寻找，影响了她的推演方向。之后，她的表现非常顺利，呈现出自信状态。她的形式语言非常独特，是画面带着她推演出来的。
徐艺苗：上次课程结束后，我仍按照自己的思路继续刻了一些，最后发现越来越抽象了。
学生作品
王老师：以前我们理解的抽象艺术是作为一种知识，现在不是，我们并没有模仿抽象画家。大多数人学习艺术都是从结果入手，“三十二刻”让我们从自己的第一张慢慢生长，最后的结果不是你设计出来的。你作品中的抽象就是慢慢推演出来的，这就是“三十二刻”的魅力。
学生作品（局部）
关于艺术史，理论家从时间线角度去描述，多半都将艺术和历史、社会关系联系在一起；艺术家从技法角度教艺术，给一个固定标准。没有人描述艺术本体的变化是怎么来的，这也是不好教的。因此，我们没有原创，更不知道原创从哪里来，很多艺术家分不清什么是模仿，什么是抄袭。虽然我们可以在规则和方法上避免抄袭现象，例如：别人画全因素，我画变形，或者换材料，但这就创新了吗？这个在商业中是可以的，有法律的量化，我们的“李先生”快餐可以像麦当劳。我们也区分不了那些看起来很写实的艺术家，没有人挑剔他，说他模仿，比如：弗洛伊德、萨维尔。我们理论家、画家分别不了，我们就会认为写实就是传统。西方写实在19世纪时处于巅峰，然后摄影终结了模仿，就像互联网终结线下购物。因此，画家就开始寻找创造性，一定要跟自然拉开距离。“三十二刻”也是这样，要慢慢脱离写实。并不是我们不画画了，更不是直接画抽象了，直接画抽象这种做法不会让我们找到原创的来源，就会出现模仿和设计的抽象。我们搞现代和当代的思维是知识性的，读书、看美术史、做调研、看展览，再做加减法、做一个设计，方式和内容要跟当代有关系。过几天又有新的艺术出来，就开始重复这个方式，这是模仿！当别人的参照点没了，中国艺术家就不知道往哪里去了，知识一旦过时，你就被淘汰了。而我们是以自己为参照，这是我们的不同。从自身出发产生的“新”，和别人就不一样了。
这位同学在画面的带动下走向的抽象语言，这并不是模仿来的，而是生⻓出来的。“三十二刻”通过艺术本体激发了人的创造思维，而不是通过对某种既定结果的模仿和借鉴来实现虚假的创造，这也是很多艺术家梦寐以求的。这⻔课教会大家按照画面逻辑实现个人语言的建立，学生能在过程中利用不同的养料和发现去推进自己，在理性中把握方向，在感觉中明确所需。因此，他们的形式创造是独一无二的。下面这位同学在最后也出现抽象性，她的画面也截然不同。
李劲奕：我越来越发现具象的风格做不下去了，想要再变就只能抽象了。
学生作品
李老师：她最后这几张效果非常好，所有刀痕的变化很有感觉，而且黑白灰构成也很稳，熟练地运用了黑白转换知识。
王老师：对！非常好！而且整个过程也很有逻辑，所以，她的“变”是独一无二的。我们之前的“黑白转换”在写实范畴里是接近现代主义的训练。现代艺术也是从古典来的，抽象艺术也是从传统写实里走出来的。其实，艺术史是一个漫长的过程，有的人从塞尚里来，有的人从梵高里来，或者从以前的画家里来，先继承再创新，最终都能找到各自的不同点。在“三十二刻”中，我想跟其他人不同，慢慢就抽象了，不是为”变“而变。很多人不一定了解里面的逻辑，光有感觉但没有变化，就会原地打转。中国和西方都会往回看，西方是借古，会一直往前走；我们是复古，走不动了，就看师承。我们的模仿能力很强，无论是古代的还是现代的，但创新不行。西方不允许重复自己，我们讲继承，不反感重复，满大街赝品，有些艺术家对于抄袭也不觉得是可耻的。而这门课就是想让大家学会创新，我们在此过程中能清晰地看到自身的变化，不了解你的人，就琢磨你的构成，学你的风格，最后你走更远了，他们还在原地靠这个风格吃一辈子，走不下去了。
李老师：我发现她刻的时候总会出现不同的可能性，就是那种很随意的刀痕，有的是无意划上去的，有的是起稿的废线。但我认为：只要符合画面的关系，任何痕迹都能成为其中的构成元素。然后，她认识到了这些可能性，所以在之后的画中，有所取舍的利用了。
学生作品（局部）
王老师：非常好！因此，你们要知道，“三十二刻”没有一张是最好的画，张张都有不同的“好”。写实艺术就要求唯一的“好”，这是传统和现代的不同，造成我们对艺术有不同的态度。我们是求知者，乐于见到未来的差异性。但这里面也有误区，比如当代艺术中的“坏画”，很多人觉得是创新，那是因为他们找不到所谓的“新”了，只能往坏里画，寻求差异性。这就让引起“难受”的感觉变成标准，一种病态的标准。进而导致很多人把“当代”和“不正常”划等号，于是就比谁更变态，谁更惊世骇俗。这在当时的美术界和知识界是很推崇的，没有出路，为了出名可以吃尸体、吃屎。人为了“新”，无所不用其极。
你的画最后没形象了，这是必然的。这是建立在自己的不重复上，不断地离自己、离别人越来越远，离现实、离物像越来越远。最后什么都没了，你就不画画了，伦理观不让你重复，让你走出架上绘画，进入装置艺术，这是绘画的终结。装置是绘画的结构、雕塑的形态，往下走就要继续否定雕塑、绘画，最后就是现成品，杜尚就出来了，新的艺术品就出来。所以，丹托没说清楚，都是知识的写作。比如写梵高，他们就编故事，说他是穷人、疯子，其实并不是，这就是作家的眼中艺术史逻辑。
这位同学的感觉特别好，她在上次的课程中提到方法，就是在刻之前先做一个黑白草图。事实证明，这是很有效的。很多人在刻版画的时候太过于情绪，认为只要主观感受充沛就能出现变化，这其实是个误区。因为，你的感觉不在一定的线索内释放，最终只会原地打转，能量无法得到有效地利用。刻的过程是理性与主观的碰撞与协调，要注意这几个要点:1、对材料有感受。2、合理控制主观情绪的释放。3、要有对新元素的察觉力及协调力。4、要有对优点的判断力。下面这位同学的作品非常有力量，我们能感受到那种较劲的、激烈的情绪，并在逻辑的控制下得到很好的传达。
黄思颖：我的画最开始是写实的，后面慢慢有了自己的个性。我平常画画就很粗旷，这个感觉很适合我，一边寻找着不同，一遍发挥到极致。后面的构图有了一些变化，加了表情，慢慢到最后有了一点故事性。上周我发现头发的这种刻法很好，于是就一直在画面中沿用。
学生作品
李老师：她的作品在刻到后面的时候，我是觉得单独一个头已经无法再有新的可能性了，所以我建议她缩小构图，把更多的东西加入画面以增加可能性，这样就可以继续构建画面，产生新的语言。但是，她的粗旷刻法是一直在延续的。
王老师：她的形很协调、很传神，每个形都有表情。每个人的形，从“模仿形”到“画面形”再生长出形的符号，这是很有意思的，这个“形”是画面逻辑产生的。从第一张的写实到后面的变形，我们迅速从传统变成现代。以前看大师的作品不知道为什么好，但我们一画就很难看，虽然变形看起来很容易。画写实也不行，就很佩服大师。如果我们的方法对了，也会做出同样厉害的作品。你原来的画是写实的，形就不协调，因为是“模仿形”，稍微有些不对，就不协调。当你是“创造形”，为了统一画面，就越走越远，就没有不协调了，该有的都有了。
学生作品
这一届的“三十二刻”是最好的一次，大家都有内在的逻辑。我从实践到教学，再到实践，这些都经历过，就发现美术史上的大师也是这样进行自我训练的。你们今天的成果，给国外的学院看，他们会把你们当天才。因为，他们在现代主义之后就没有这样训练了，不准模仿，只需要你呈现一个结果。科学家都知道个人成就需要建立在前人的基础上，为什么艺术家要例外呢？天生就会画画吗？我们很多时候太过重视天生就有的东西了，但它本来就很稀少，是上天赐予的。好多大学，比如欧美、日本，从本科生到研究生没有跨度，偶尔遇到一个天才，那个人有特别好的感觉，但那是不可教的。因此，现代社会很糟糕地方的就是撞大运，专门有写手进行运作和包装，这就形成一个标准，让别的标准无效。“三十二刻”就解决了形式语言的原创性，全世界都没有，它会把我们迅速地训练出有原创思维能力和伦理观的人，这在艺术上是很有竞争力的。
观念艺术家很多都没有形式审美。现代艺术很重要，它有很强原创能力。设计学的独立，也是现代艺术带来的，否则还是古代的样式。没有现代思维就没有原创，我们有了原创，审美就不一样了，就不会搞可笑的复制品。
“三十二刻”最终会让你有形式创造力，我们如果还想做写实的画，就可以继续研究具象艺术，把“三十二刻”的审美和语言能力用出来。同样是照片我就不会直接画下来，想办法和照片不一样，必须要有创新点。要尊重自己的内在需要，每个人都不同，跟别人不一样。我自己研究传统艺术，就是因为自己的内在需求。今后你们要搞清楚自己需要什么，当你画面出现黑白问题时，就要进行有关黑白的自我练习；当你们遇到形式问题时，就要进行“三十二刻”，即便写实也是如此。
作品素材
学生作品
作品素材
学生作品
作品素材
学生作品
以上作品是学生这四周的结果，我们看到他们最后已经有了自己性是语言，而且每个人都呈现出不同面貌。“三十二刻”的教学是成功的，它让每个人都找到自己的说话方式。
李老师：我是想在最后让他们做一些大画，把他们自己所建立的形式语言用到上面来。这对他们自己也是一次考验。
王老师：对，现在可以考虑做一张大画。这张画的黑白灰一定要做好，把你们的词汇用好、组装好。这个路子跟之前不同，这张大画就有目的性了。没学“三十二刻”之前，我们都会学别人、参考别人；但现在，你们已经有自己的词汇，有自己的画面语言，有自己的审美。
但你们要知道，艺术最终还是要回到功能性上，也是“三十二刻”之后的要做的。现代主义就是反功能性的，反叙事、反再现、反文学的，形式就是内容，创新就是价值。从现代艺术开始，艺术走向了自然的反面，塞尚是“桥”，从他开始就完全走向画面的结构、色彩、逻辑。当代艺术又回去了，又强调艺术的功能性，重新介入生活、干预社会，作为表达思想的工具。这时候，我们的绘画就不能为“变”而变，比如你们的毕业创作。那么“三十二刻”就应该成为你们的终身训练，比如我自己，从没搞过建筑，这些木头、石头、金属对我来说就是木刻刀，把现成的东西拿过来按照形式组装就可以。但你看其他当代艺术家设计的房子，太丑了！没经过形式语言的训练，肯定设计不好。现代艺术反内容，当代艺术内容至上，当我们拿美感、技术看当代艺术就看不懂、很讨厌，但它是为内容服务的，和古典艺术一样。
你们往后就要找到相对应的语言，比如你的每张画、每个刀痕就是一个单词，那么你的词汇量多了，就能形成个人的“语言字典”，就能驾驭更复杂的画面。然后再传达你的思想，从生活中提取观念，什么东西触动我们，就画什么东西，像小说家一样讲我们的故事。
结语:“三十二刻”立足于艺术本体的研究、强调逻辑和直觉的平衡，以及实现有序而无尽的变化。事实证明，它能激发学生的潜能和创造力，在未来的艺术道路上能够建立自己的独特⻛格。当学生掌握形式语言后，就可以装填内容，创作出独一无二的艺术作品，或者这样的形式创造方式也可以让他在面对新内容时发掘新形式。因此，“三十二刻”不仅能在教学上发挥重要作用，也是艺术创作不可或缺的思想。
图文/李军
审核/孙亚南、米杰、杨燕玉
中央美术学院造型学院版画系