艺术家的可耻，莫过于单方面要求大众理解艺术
首先声明这个不是标题党，而是深刻的体会与总结，冒着掉粉的风险，说出了当下艺术圈真真切切的现状。我们经常能在各种场合听到，很多自称艺术家的人说“现在懂艺术的人太少了”“有钱人不懂艺术”"我太孤独了，别人都不懂我的艺术"等等。
但是，我们为什么听不到医生说患者不懂医学，为什么听不到科学家说大众不懂实验，为什么听不到哲人说大众不懂哲学？难道艺术就这么低门槛，不需要专业学习，就能无师自通，一看就懂？这种单方面要求大众理解艺术，的确很可耻。
傑里米·利普金 写实作品
（Jeremy Lipking，b1975）
这个应该一眼就能看懂
也许会有天才型的艺术家，不需要过多的系统学习，也能造就自己的艺术。但绝大多数的艺术从业者还是需要学习的，而且是系统地学习。特别是艺术发展到了今天，如此丰富、如此完善了，更应该系统地学习，中西方美术史是最基础的必修课，从历史中找到当下的定位，认清自己的能力，才能找准艺术方向。而不要凭借一腔的热血与冲动，被艺术所“蛊惑”而不能自拔。去年底看到栗宪庭说过一句：“艺术家的可悲，莫过于太执着于做一个艺术家”。
看艺术时，把它拉回生活，会有更多的人情味和释怀；过生活时，把它推向艺术，会有更多的形而上和纯粹。
赵无极 抽象作品
要想看出门道，需要专业学习
西方人是以学科思维来看绘画艺术的，绘画作为视觉艺术有其明确的边界和功能，即使是抽象画，也有其严谨的逻辑性，绘画与哲学、心理学、宗教等既有交叉，又有界限；而中国人是以天人合一的融合思维来看待世界，当然包括绘画艺术，艺术需要融合万物，包袱实在太重。最后，绘画层面的东西只是附庸，”修身大法“反而成为了核心（在文人画中尤为典型），这样一来，不仅搞晕了观众，连从业者自己也迷糊其中。
最终，导致中国绘画艺术的标准“说不清、理还乱”，这样肯定是不行的，至少不利于传播，以前的艺术主要是少数的文人士大夫阶层在消费，而现在有普世性的审美需求。就像生物的多样性特征一样，我觉得服务于人们精神需求的艺术，除了艺术本质性的东西，可以用“品类”来作为划分和衡量标准。可以简单地形容为“萝卜白菜各有所爱”，萝卜与萝卜比，白菜与白菜比；要是拿萝卜与白菜比谁更好吃，那就没意思了。
绘画艺术的发展经历了一个由写实描绘到印象、表现，再到脱离视觉艺术，进入思想创意的现代艺术领域，使得艺术的边界和标准越来越宽泛和多元。
重新给艺术一个定义
回到品类上来谈艺术，就会有一个简单、清晰的脉络：不同时代随着当时的流行风尚和审美趣味的转变，艺术的内容和面貌也在不断变化。任何一个艺术品类流行一段时间后，必然需要新的艺术家创造出新的刺激，来对抗和打破审美疲劳，这也体现出艺术家“创造力”的可贵，必须是有足够的创造力的新作品，才有可能对抗旧有的品类，使其成为经典，进入美术史或者博物馆，但也会有一波后来人去温习和回味它。就像巴黎的时装秀，年年出新款，偶尔也得来一个复古风，调剂一下。
要想看懂艺术，养成独立审美的能力，必须先系统地了解中西方美术史；其次，保持独立的人格和个人趣味，根据自己的口味去寻找适合自己的艺术品类，并尽情沉醉其中。不必跟风，以他人的审美癖好为标准，即使是再有钱、再有权势的人。
假装懂艺术的王子阳
坚持独立审美，才能在艺术的世界里找到真趣和属于自己的那份快乐，艺术家的创作亦然。把艺术当做精神文化消费品，花钱买的就是快乐，而不是装门面，更不应该是投资，有多少作品你买后能变现？假如没有靠谱的变现渠道，艺术品的投资就是一个伪命题，至少不是好的投资标的。真正具备投资价值的艺术品也是有的，那就是全球流通的、拍卖市场上的尖货，那些已经是财富阶层达成共识的资产标的物，不是普通大众能玩的，作为吃瓜群众，也只能数数有几个零。
【美术史/加油站】
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